El director de Ausente habla de su intención de romper con los estereotipos de la homosexualidad en el cine, tarea que ya había iniciado en su ópera prima, Plan B. Además, opina sobre las particularidades del circuito cinematográfico argentino, y adelanta su próximo proyecto.

A Marco Berger le gusta conservar recuerdos de sus películas. La remera que, en Ausente, uno de los protagonistas le regala a otro; el ochentoso visor de imágenes en 3D que, en Plan B, también funciona como conexión entre los dos personajes principales… Estos íconos, como los llama el joven cineasta, aparecen expuestos en un mueble de su departamento junto con otros elementos que operan como representaciones significantes de su vida, y particularmente, de la pasión que siente por lo que hace. Entre esos mementos, sobresale la más reciente adquisición: una estatuilla de un oso dorado, de unos 20 centímetros de alto. Se trata del premio Teddy, un galardón que se entrega a películas de temática gay, lésbica o transgénero en el Berlinale, el Festival Internacional de Cine de Berlín, y que fue recibido por figuras de la talla de Pedro Almodóvar, Gus Van Sant, Tomás Gutiérrez Alea y Derek Jarman, entre otros. En la reciente edición del Berlinale, el Teddy consagró como mejor largometraje al segundo film de Berger, Ausente, que se estrenó el pasado 11 de agosto en el MALBA y que actualmente se exhibe en el “Buenos Aires Mon Amour” Cineclub (Sala Godard).

—   ¿Habías pensado en la posibilidad de recibir ese premio?

—   Al tratarse de una película gay, y dado que en Berlín hay un montón de películas de esta temática, había mucha expectativa desde el lado de los productores, los distribuidores, todo lo que tiene que ver con la venta. Yo había pensado en la posibilidad de que ganara, pero me parecía muy raro que se pudiera dar. En su momento había tenido el sueño de que se cumpliera eso con Plan B; me parecía que cerraba más desde ese lugar, pero con Ausente no tenía una expectativa muy grande (a pesar de que la película me encanta). Después de que se exhibiera en el festival, antes de volverme, me pidieron que me quedara dos días más para estar en la entrega de este premio, porque la película estaba nominada; ahí pensé, “puede pasar”, pero también pensaba que me quizás querían que me quedara sólo para figurar. El evento duró como dos horas, y al final anunciaron que Ausente había ganado el Teddy. Ahí sí que no lo pude creer. Más que nada por todo lo que significa, por el reconocimiento al laburo, y porque me da una plataforma muy grande para seguir.

—   ¿Por qué te habría parecido más esperable que Plan B ganara un premio así, en lugar de Ausente? ¿Por las diferencias genéricas entre ambas películas?

—   En realidad, era más bien una fantasía personal. Nosotros no presentamos Plan B en el Festival de Berlín, pero para mí era una película que podía entrar; hubiera sido una película rara, en su momento, porque es una película rara, dentro de lo que es el cine gay es una película muy independiente, con cosas muy extrañas. Si hubiera entrado en Berlín, ahí sí me habría parecido un poco más esperable que ganara. Pero es mejor que no la hayamos presentado, porque por ahí no pasaba; ésta vez fui sin ningún tipo de expectativas y terminó pasando. Eso está bueno, porque las expectativas te pueden terminar frustrando.

Plan A. Atacar los sentidos comunes

Con sólo 33 años, dos largometrajes y tres cortos, Marco Berger ya es reconocido por muchos críticos como una de las nuevas promesas del cine argentino, con filmes que, hasta el momento, se caracterizan por tener dos rasgos en común: haber hecho hincapié en la temática gay sin caer en estereotipos ni arquetipos, y haber recibido un notable reconocimiento internacional. Ausente, que había sido muy bien recibida en la edición del BAFICI de este año, relata la experiencia de un profesor de un colegio secundario (Carlos Echevarría) que se ve obligado a llevar a uno de sus alumnos (Javier De Pietro) a pasar la noche en su casa debido a la aparente ausencia de sus familiares, y que desconoce las verdaderas intenciones del joven. Teñida por un manto de misterio, suspenso y algo de erotismo, Ausente se diferencia de la ópera prima de Berger, Plan B, una comedia que relataba la historia de amor entre dos jóvenes inicialmente heterosexuales.

—     Tanto Ausente como Plan B están insertas en la temática gay, pero las construcciones de las historias son muy diferentes. ¿Cuánto condiciona la temática a tu trabajo a la hora de abordarla en las películas?

—     Ninguna de las dos películas podría funcionar sin la temática en el medio. En ninguno de los casos se trata de una historia con gays que podría funcionar igualmente como una historia hetero, porque el chiste de Plan B es que uno trata de robarle la novia al otro y se arma un triángulo pero con el foco puesto entre las personas del mismo sexo, y en Ausente es lo mismo, si el alumno fuera una chica, los personajes serían diferentes y tampoco tendría la misma película. Por eso la temática siempre funciona como un eje, pero nunca pretendí hacer “cine gay” ni mucho menos: yo sólo cuento historias. Por algo, en una película con una historia entre un hombre y una mujer, nadie dice que se trata de “cine heterosexual”.

—     En ese sentido, desde uno de tus primeros cortos, El reloj, hasta Ausente se ve una tendencia a abordar la “cuestión gay” a partir de la ruptura de estereotipos, con símbolos como el fútbol, por ejemplo.

—     Claro, porque está esa creencia de que el mundo gay es puramente femenino, sólo “la pluma”. Pero también hay un mundo de tapados, un mundo de casados de trampa, un mundo de pibes que juegan al fútbol o al rugby y que son gays. Hay un mundo gay enorme, y siempre se muestra el mismo lado, el del diseñador de interiores. Yo lo que intento es mostrar el lado que a mí me interesa: mostrar que ser gay no significa que uno, a simple vista, tenga por qué darse cuenta. La apariencia de la persona no necesariamente tiene que ver con su sexualidad. Me gusta jugar con eso, con los símbolos masculinos, y al mismo tiempo con lo gay.

—     ¿Creés que en el cine sigue habiendo una tendencia a focalizar en los estereotipos gay, o hay más rupturas?

—     Sigue habiendo una tendencia, en las comedias norteamericanas, sobre todo, pero cada vez menos. Por ejemplo, en la película de Ariel Winograd que se acaba de estrenar, Mi primera boda, la imagen de la mujer gay está puesta en un lugar muy femenino. Así que sí, todavía hay una tendencia, pero poco a poco se van rompiendo esos moldes, y hay gays no tan notorios.

—     De cualquier manera, quizás las figuras de la mujer gay y lo femenino está más naturalizado que el hombre gay con características masculinas, algo a lo que vos apuntás…

—     Es verdad, y sería bueno que se apuntara más a eso y que no sea solamente mostrar ese lugar desde la figura del “gay tapado”, porque sólo te muestra el dolor del ocultamiento constante. Estaría bueno que haya más historias donde eso no importe, pero se están haciendo, de a poco. Tal vez yo me adueñé un poco de una de las formas de hacerlo: mostrar los cuerpos, el bulto, los pelos, un mundo muy masculino. Hasta el léxico, que digan “chabón”, “eh, puto”. Lo que intento hacer es subrayar eso, más que nada el bulto como símbolo desde donde mostrar lo masculino. Me gusta mostrar al hombre como objeto de deseo.

Circulaciones ausentes

A pesar de haber recibido un importante reconocimiento, tanto a nivel nacional como internacional, Ausente sólo se proyecta, actualmente, en cuatro cines de todo el país. Mientras tanto, el resto de los cines del circuito comercial argentino dedican la mayoría de sus funciones a proyectar películas principalmente norteamericanas, distribuidas por grandes empresas estadounidenses. Esta situación se relaciona a la decisión comunicada hace dos semanas por el Instituto Nacional de Cines y Artes Audiovisuales (INCAA), sobre el establecimiento de nuevos arancelamientos para las películas extranjeras, particularmente las hollywoodenses, con el fin de intentar poner un límite a su distribución y así favorecer al cine nacional. Esta decisión fue bien recibida por algunos sectores de la industria cinematográfica argentina, pero otras voces, reproducidas en los medios de comunicación, criticaron el hecho de que, a su parecer, las distribuidoras norteamericanas harán las inversiones necesarias para que la distribución de sus películas sea la misma, lo cual hablaría de un panorama sin mayores cambios.

—     ¿Qué postura tenés respecto a los nuevos arancelamientos establecidos por el INCAA?

—     Hay un enojo medio raro con el INCAA, porque, en definitiva, va a haber más plata para el Instituto, y eso siempre es favorable. La gente se olvida de que este tipo de instituciones no existen en cualquier lugar del mundo. Tener algo así es espectacular, aunque opera como puede: es muy difícil manejarlo, leer guiones, saber si un proyecto de película puede funcionar o no… Es cierto que es difícil entrar, por ahí tu guión no lo entiende nadie, pero si sos bueno y el guión funciona, en algún momento vas a entrar, aunque el proceso sea difícil.

—     ¿Crees que es posible que el grueso de los productores y cineastas independientes puedan contar con las garantías necesarias para poder competir con los “grandes tanques”, o es una utopía?

—     Siempre va a ser difícil; lamentablemente siempre van a terminar habiendo algunos menos beneficiados que otros, y se van a formar círculos que reclamen más ayuda, y no está mal… Pero también hay una realidad, y es que siempre van a haber películas malas y películas buenas. Eso es algo difícil de regular; a mí mismo, como cineasta, me cuesta opinar sobre eso. Puede haber alguien que se empecine en filmar y que no sepa hacerlo, o también alguien que tenga mucho talento pero que no encuentre la forma de entrar en el sistema del INCAA después de 10 años. Es difícil, porque yo hablo desde mi experiencia; yo no tuve ningún tipo de ayuda del INCAA en nada, y sin embargo logré llamar la atención y que ahora ellos me puedan ayudar a mí. Yo también estuve mucho tiempo parado, con trabas para filmar, pero esas trabas fueron personales y no por el INCAA.

—     Pasaron cinco meses entre la exhibición de Ausente en el BAFICI y su estreno en el circuito interno. ¿Tuviste dificultades con la distribución?

—     No, al contrario, demoró bastante poco tiempo en estrenarse, para lo que es una película de cine independiente. Con Plan B había tardado un año y medio para estrenarla. Ahora me acomodé un poco mejor en el circuito. Plan B era una película muy barata, independiente de verdad, y quizás si no se encontraba con el público correcto en el BAFICI, y después en el mundo, podría haber pasado desapercibida. Era una película de amigos, hecha para divertirnos y ver qué pasaba con eso; Ausente no, está pensada mucho más desde lo cinematográfico, con más plata y más posibilidades.

—     ¿Creés que eso se refleja en la calidad técnica de la película?

—     Seguro. La gente dice: “hay un salto muy grande de Plan B a Ausente”. En realidad, no es que haya un salto muy grande, sino que esta vez pude filmar de verdad, mientras que con Plan B sólo tenía una cámara de video. Si al filmarla hubiese tenido la misma posibilidad económica y los mismos recursos que tuve para Ausente, seguramente habría sido una película mucho mejor filmada. A mí me encanta Plan B, pero reconozco que por momentos está esa sensación de que es una película hiper-independiente, sobre todo desde el lugar de la puesta de cámara. Aunque me parece una película muy fresca, en ocasiones podría tener mejor óptica, más profundidad de campo, mejores locaciones… pero era lo que había.

Plan C. Cine, y punto

—     ¿Cómo siguen tus proyectos después de Ausente?

—     Lo que viene ahora es Mariposa, mi tercer largometraje, que –si todo sale bien- la filmaré entre febrero y marzo del año que viene, y luego trabajaremos durante todo 2012 buscando fondos para poder terminarla y presentarla después.

—     ¿También estará inserta en la temática gay?

—     Esta vez no. Igualmente me gustaba la idea de jugar con el nombre, que tiene una cosa gay, y también hay un par de personajes que juegan un poco con esa cosa homoerótica.  Pero es una historia que no tiene una estructura armada sobre la temática gay. De hecho, pensaba filmar este guión después de Plan B, pero terminé filmado Ausente. Pero no porque haya decidido dejar de hacer películas gays ni nada por el estilo, aunque tampoco me interesó nunca ser un director de “cine gay”.

—     ¿No te gusta que puedan llegar a rotularte dentro de esa categoría?

—     Es que realmente no me interesa, porque igualmente me gusta jugar con lo gay, encontrarle formas. Por eso, más allá de que haya una historia de amor entre un hombre y una chica, también puede ser que le dé una mirada más homoerótica.

—     De cualquier manera, la masculinidad está presente, como pasa en Plan B y Ausente.

Sí, porque me interesa mucho lo masculino, así que eso va a estar siempre presente. Pero también depende de lo que pase por mi cabeza en un determinado momento. Hoy tengo muchas ideas en la cabeza, la mayoría de temática gay, pero porque es lo que más me interesa, siempre buscándole la vuelta para que no sea sólo una película gay: tocar el tema pero sin que sea lo más importante de la historia. Pero esas son las ideas que tengo hoy; andá a saber si son las mismas dentro de diez años. ¡Andá a saber si en diez años sigo filmando! Espero que sí.

La cuestión es que el espíritu veraniego de mi colega lo hizo escaparse a Mar Del Plata (vacaciones que pese a la presión del sindicato, NO VOY A PAGAR), situación que me dejó en completa libertada para “hacer lo que se me cantan las bolas”

Sabiendo que no soy un gran seguidor del grupo decidí invitar a otro profesional a que se hiciera cargo, un periodista cuya pluma puede analizarse como una verdadera hereda de Hunter Thompson, un periodista que pese a  todo lo que quieran decir la Federal, la SIDE y la DEA, NO ESÁ USANDO A ESTA REDACCIÓN COMO FUMADERO DE OPIO.  Damas y caballeros, los dejo con el Sr. Guillermo Cosarinsky

“Nada de aluminio:  Metallica en River Plate”

Por G. G. Cosarinsky

Nunca hubiera pensado. Mejor dicho, nunca lo pensé. Porque quizá lo hubiera pensado, eso nunca se sabe. Aunque quizá se habría sabido, o supido, no se. Lo que nunca pensé, es que un recital de Metallica empezaría (es más, empezó) con música de Ennio Morricone. Aunque, para ser justos con la industria metalúrgica, carezco de los elementos de juicio necesarios (pero no suficientes), como para haber o no pensado en esa posibilidad. Porque, triste pero verdadero (o ninguna de las dos cosas), podría decirse que soy menos que un oyente casual de Metallica. Pero los caminos del señor son retorcidos, peludos, y llenos de baches, razón por la cual es mejor transportarse al estadio de River Plate cabalgando sobre un relámpago. Y aunque no fue así como llegué a tal lugar, resultó ser que a eso de las seis de la tarde del 21 de enero de 2010, allí me encontré, sentado en una posición privilegiada de la platea alta belgrano del estadio en cuestión. Privilegiada según el muchacho que nos la ofreció, a cambio de una colaboración, en reemplazo de lo que supuestamente indicaban nuestras entradas.

Y así quedé apostado en uno de esos asientos sin respaldo que hacen a las delicias de mis espaldas, más o menos alineado con la mitad de cancha, esperando ver un escenario circular en el centro de la misma, como me había prometido ese día por la mañana un renombrado periódico local. Y esperé nomás, porque el escenario estaba donde casi siempre: en uno de los arcos, esperando para atajar el penal que León Gieco no se decidía a patear porque estaba muy apenado pensando en las víctimas de Haití, y en cuando iba a llamar a Bono para organizar una campaña para ayudarlas a ellas, y a todos los pobres, enfermos, y malaventurados de este mundo. Antes de eso se habían jugado un picadito los muchachos de Horcas, expertos en ortografía y biología marina.

Un sujeto que hablaba por celular en mis inmediaciones, y decía algo sobre el depósito del inodoro, también dijo algo que me hizo percatar de la gran suerte que nos había tocado: la platea de enfrente estaba siendo bombardeada por las radiaciones ponzoñosas de ese cuerpo celeste más bien amarillento que suele pasearse por nuestros cielos, mientras que mi platea (soy el dueño), estaba sumergida en las sombras, allí donde se puede escuchar a la llamada de Cthulhu (si la hubiesen tocado, lo cual no hicieron).

Otro sujeto entre las vecindades le hizo a sus compinches un comentario muy acertado: “que pijoteros que estuvieron con las pantallas”. En efecto, a los costados del escenario había dos pantallas bastante pequeñas para la magnitud del espectáculo. Había una más grande adentro, detrás de los músicos, pero de la cual yo sólo podía ver un pedacito infame. Pero bueno, se ve que lo que no gastaron en pantallas lo gastaron en unos cosos que escupían unas llamaradas de puta madre, cuya emanación de calórico se sentía desde mi ubicación, distante, estimo, más de 50 metros del objeto escupidor.

Y a todo esto el lector se estará preguntando (a menos a que haya estado ahí), cómo carajo es eso de que el recital empezó con música de Ennio Morricone.  Le respondo: estando la muchedumbre a la expectativa de que los músico salgan a escena, se apagaron todas las luces, y a continuación se encendieron las pantallas mostrando un fragmento de alguna película de Sergio Leone, con música de Morricone. Era justo una parte que tenía una melodía vagamente conocida (no el clásico, uiuiuuuu tuuu tuuu tiiii, pero algo del estilo), que una gran parte de las supuestamente 60000 personas presentes canturreó usando únicamente vocales, sobre todo la “o”. Esta misma clase de canto, que debido a su carencia de consonantes no creo adecuado llamar “tarareo”, practicaron los muchachos metaleros durante muchos de los temas, especialmente los más populares, como ese cuyo estribillo dice “eeexeeen laaai, trooo maaan frooole”. Al comienzo del antedicho tema (Enter Sandman), y de algún otro, alguna maquinaria escupió al cielo unas bonitas y coloridas pirotecnias. Después (o antes), James Hetfield dijo algo de que nos había dejado el corazón roto y ahora venía a curarnoslón (así lo dijo, con la “n” al final, pero en el idioma de los menonitas que fríen batatas con gasoil por las tardes de los meses que no figuran en el calendario en uso por estos pagos).

Era curioso como, a pesar de la envergadura técnica del espectáculo, se podían ver los hilos con que el maestro movía a los músicos. Pero más curioso todavía, y no sólo curioso, sino el punto cúlmine del show, fue cuando entre los rugidos de las guitarras comenzó a filtrarse un rugido diferente, más gutural, más orgánico, más japonés. Y ese rugido fue creciendo lentamente, mientras a los frenéticos golpeteos de la batería de Ulrich se sumaba una percusión de un ritmo mucho más lento, pero mucho más poderosa.  Esa percusión, señores y señoras, era el sonido de sus pasos. Esos rugidos, damas y caballeros, eran el canto de Godzilla. Y aquí termina esta reseña, porque, como todos sabemos, además de Godzilla, nada más importa.

httpv://www.youtube.com/watch?v=zQQcGc5c1Tk

“Mejor que decir, es hacer”

por Alan Levy

prensasteps@gmail.com

ACDC es una banda atípica por muchos motivos. Nunca metieron un teclado, ni hicieron una balada, ni pasaron guitarras al revés, ni zaparon junto a Shakira en un Live Aid, ni metieron unos samplers porque quedan bien, ni editaron discos “intimistas”, ni fusionaron su música con folklores del “tercer mundo” ni cantaron en español. Ellos ofrecen modestamente otra propuesta: altísimas dósis del rock and roll más eléctrico, sucio y lascivo proveniente de las entrañas del vil y perverso infierno. No hacen declaraciones pomposas antes de los shows, son tipos altamente pragmáticos. Esto es un intento de crónica de su segundo show en la Argentina, trece años después del primero.

Ya estoy en aprietos: ¿Cómo comenzar una crónica de un show de las características de ACDC?

A la década y tercio de impaciencia se le sumó la ansiedad generalizada por las tristísimas actuaciones de los teloneros (ver nota abajo) que fueron repudiados y agredidos por un público cada vez más intolerante. De todas formas, nada opacaría el reencuentro. El escenario se llena de técnicos y comienza el show personal del plomo más copado del mundo que arenga a la monada y le dibuja una sonrisa por primera vez en la tarde. A continuación se reparten cornamentas diabólicas de cotillón que se encienden y le otorgan colorido a las cabelleras de las hard rockers que no quisieron perderse el pacto con el Demonio. La tarde caía apaciblemente, la luna llena  aparecía como preanunciando los estrepitosos aullidos de sangre que vendrían. Cero grados: ni frío ni calor, y una expectativa indescriptible. Se bajan las luces. Tiembla todo.

En la pantalla aparece una animación que sintetiza a la perfección todos los elementos de la cosmogonía de los australianos más alterados del universo. Debo decir que la estética del cortometraje animado se asemeja bastante a la línea de Kevin Altieri, responsable de Spawn y, especialmente, del video Do The Evolution, de Pearl Jam (uno de los mejores de la Historia, sin duda alguna) ¡Un momento! ¡Estoy intelectualizando todo! No da, esto es AC/DC, no pasa por aquí la cosa… Tras la animación aparece un rock & roll train gigantesco, negro e imponente. De la locomotora sale humo.

En mis largos años de conciertos en vivo, no recuerdo haber visto muchas veces a una banda que ya en su primer tema se mande de lleno por la pasarela principal como diciendo “aquí estamos”. Si había un mensaje implícito y con olor a azufre, éste no se obtenía en la reproducción inversa de un vinilo sino que aparecía fuertemente en la conciencia colectiva: “estos tipos SON el rock and roll”. De hecho, AC/DC es una de esas bandas que marcan el extremo del estereotipo rockero de una forma pluscuamperfecta: un paso más y se cae en la parodia ridícula. El infierno no es un lugar malo para estar y el tema homónimo corroboraba esta idea. Brian saludaba en español limitado y gallego. Y cuando todavía nos frotábamos los ojos: Back In Black. Demasiado bueno para ser real…

Demás está decir que por lo general, las bandas históricas y extranjeras que vienen a nuestro país suelen venir a chorear. No quiero extenderme demasiado pero los discos que vienen a presentar distan mucho de lo mejor de sus carreras. AC/DC nuevamente es la excepción porque venían a presentar Black Ice, discazo parejo por donde se lo mire. Tocaron cuatro temas, bastante representativos. Brian Jhonson hacía de las suyas entonces mostrando las dos caras de la misma moneda: el legado de las canciones de Bon Scott (“Shot down in flames” y “Dirty Deeds Done Dirt Cheap”, como claros ejemplos” y su propio legado, super reivindicado en el trueno punzante de “Thunderstruck” plagado de los notables gruñidos de Malcolm Young.  Para sorpresa de este redactor, este tema fue uno de los más pogueados de la noche. Hacia la mitad del show llegaba “The Jack”, el eterno blues de antro derrotero con unos Cliff Williams y Phil Rudd llenos de swing y un Angus que se desnudaba como una fiera frente a la masa dejando para el final sus boxers con el logo de la banda. Destilaba sexo.

A continuación, previa toma de carrera, el cantante se cuelga de un enorme campanario que indica que es hora de arder eternamente. Piel de gallina en el gallinero con el paralizante riff de “Hell´s Bells”. El set de Back In Black no terminaba aún porque venía “Shoot To Thrill” y más de uno se acordó de la familia de Pergolini. Después, las duras notas del bajo marcaban el inicio de “War Machine”. Aparecía una máquina de guerra colosal que tiraba bombas.

“You Shook Me All Night Long” aparecía como una arenga feliz y altamente coreable. Angus Young, sin demagogia alguna, ya se había autocoronado como rey supremo del rock and roll pero algo nos decía que tenía un as en la manga. Hacía el paso del ganso en claro homenaje al hombre que hizo todo posible: Chuck Berry. Golpeaba a la Gibson SG como si no hubiese mañana, lucía un destartalado uniforme colegial y transpiraba cataratas de sudor -la Garganta del Diablo, claro está- mostrándonos como nadie que todavía hay gente que deja absolutamente todo arriba de un escenario. La entrega era total. Pero las cosas no quedarían así nomás.

Después de la explosiva “T.N.T” y la lujuria de “Whole Lotta Rosie” -con muñeca inflable gigante incluida- llegaba lo mejor de la noche sin dudas: “Let There Be Rock”, que se extendió por varios minutos con un Angus Young como metáfora del Cancerbero de tres cabezas: la suya propia y los cuernos de la SG. El solo fue épico, extensísimo y poco demagógico. El más joven de los Young  hacía las veces de un Koinoor (poderoso y chiquitín)  cargándose al hombro un estadio completo, se ubica en una elevada tarima ubicada en el medio del campo y todo lo demás es historia, no hace falta más nada: es una celebración de rock como pocas veces se ha visto. La banda dejaba el escenario por un momento, era el ocaso del ritual satánico. “Highway To Hell” apareció como un himno transgeneracional y trangénico: activó cada gen de cada organismo vivo como una tormenta de lava subterránea. De la pantalla emergían llamas. El final fue de “For Those About To Rock” que incluyó salva de veintiún cañonazos para despedirse de las sesenta mil almas confiscadas.

En resumen: tembló todo, salía humo, destiló sexo, emergieron llamas, apareció una máquina de guerra infernal, fue demasiado bueno para ser real, fue AC/DC. Fue rock and roll.

El eterno problema de los teloneros

por Alan Levy

Comencemos por el principio. Desde hace ya varios años, el público argentino -y me atrevería a afirmar que es una tendencia globalizada- viene siendo estafado cada vez que asiste a espectáculos de estas características. Por no mencionar todas las restantes, mencionaré la estafa de los teloneros qué es una de las más perceptibles. Muy pocas veces se han visto bandas que tengan cierta afinidad con el género de la banda principal. Si esto fuese un festival, no habría tanto problema, pero dado que no lo es, suele aparecer como una mancha que, a veces, opaca  la jornada. Las bandas argentinas que ponen suelen ser menos afines aún, tal fue el caso de Cuentos Borgeanos con The Police, por mencionar solo un caso. En AC/DC, las cosas fueron más ridículas y dramáticas. Poner a la banda de Michel Peyronel a la cual no la conoce ni el loro (honestamente: ¿alguien la conocía?) no significa ni por asomo acercarse a un RIFF o alguna banda soporte digna de la aplanadora australiana. Pero si eso ya era malo, la introducción de Las Pelotas en el escenario parecía una broma de mal gusto. Sin embargo, además de repudiar a los responsables de la programación por tal desatino, debemos llamar la atención de un público de hard rock y metal cada vez más intolerante que bastardeó y agredió a botellazos a la banda con residencia cordobesa. Botellas de plástico llenas de orina que eran arrojadas a los músicos que pecaban simplemente de “no ser del agrado de la mayoría”, pese a los intentos del cantante de calmar los ánimos, la bronca no se calmó sino hasta el fin del set pelotero con una interesante versión de “El ojo Blindado”, uno de los himnos punk de Sumo. Una actitud fascista y altamente repudiable que encuentra antecedentes claros en la vez que, enojado por el maltrato a sus teloneros, Kurt Cobain decidió tocar de espaldas a Vélez y no tocó el himno Smells Like Teen Spirit ¿Qué hubiera sucedido si nos hubiésemos quedado sin “Higway To Hell”? Nada. Peor hubiera sido que la bajista o el tecladista de Las Pelotas -en última instancia, dos trabajadores de la cultura- hayan perdido un ojo gracias a la ira de algún malnacido.

Un recital en serio, carajo

por Franca

No hay palabras, no hay imágenes, no hay videos que puedan llegar a ilustrar mínimamente lo que pasó ayer y va a pasar mañana en la cancha de River. El espectáculo sobrepasa cualquier cosa imaginada, y es en cierto modo intransmisible.

Pero de todas formas me encuentro en el lugar de tener que escribir algo al respecto, y no por una cuestión de responsabilidad periodística, sino más bien para tratar de ver si puedo ordenar un poco todos los sentimientos, todas las ideas, toda la electricidad que me quedó en el cuerpo después de haber vivido un recital de AC/DC

La experiencia fue algo mucho más fuerte de lo que me hubiera imaginado, fue demasiado irreal. Cinco viejos arriba de un escenario espectacular dieron cátedra. Vinieron y dijeron: “las cosas se hacen así” y eso es demasiado importante, sobre todo en una época donde uno ya duda que “las cosas” se puedan hacer del todo. Fue mesiánico, divino, los australianos dijeron “que haya rock”, y hubo rock.

Hubo show también, un show de otra época hasta en el más mínimo detalle: desde el hecho que las entradas tuvieran el logo de la banda y no su nombre escrito con Arial en mayúscula hasta una Rosie inflable de unos 10 metros cabeceando desde el fondo del escenario, desde los cuernitos intermitentes que repartían desde el escenario hasta la enorme locomotora del “Rock And Roll Train”, y los cañones, y la enorme campana de “Hells Bells”, y las chicas del campo mostrando sus pechos y apareciendo por la pantalla principal. Un recital en serio, carajo. Un recital en serio en los días posmodernos en los que los campos se iluminan con la luz de las pantallitas de los celulares. Un recital que te lleva a las mejores épocas que vivió el rock.

Pero aún así, todo ese contexto en realidad careció de importancia. Angus Young se puede poner a tocar la SG con el escenario completamente despojado y el resultado va a ser el mismo, la música va más allá de los fuegos artificiales, incluso va más allá del sonido en sí. Se sintió en la piel. Podías cerrar los ojos y taparte los oídos y había algo que igual iba a hacerte saltar, estaba la sensación de estar viviendo algo demasiado bueno, la sensación de saber que tanto la gente que desde hace mucho tiempo viene puteando al rumor de “este año vienen” y la gente que llegó conociendo solo la melodía de “Highway to Hell” estaban gritando al mismo tiempo, la sensación de 60 mil personas mirándose a la cara y diciendo “no lo puedo creer”.

En River no hubo música, hubo rock, y eso es algo mucho más mágico. Fue una cosa dura, directa, básica, sin demagogia. Fue una cosa barrial e internacional. Un acto colectivo donde el público y la banda dejaron el cuerpo en “Shoot to Thrill” y la voz en “The Jack”. Fue el momento de entender que el mito de escuchar en vivo “Higway To Hell” no tiene nada de trillado ni de ingenuo, y que si ese tema, por más quemado que esté, se convirtió en un himno, por algo fue.

En River se vivió la paradoja de encontrar algo casi religioso en las más mundanas y seculares canciones. Puños en alto gritando “oy oy oy” al ritmo de “T.N.T” mostraban ese maravilloso cruce entre lo sectario y lo masivo que provocan este tipo de bandas.

En River estuvo AC/DC y ruego a todo aquel que no pudo ir miércoles o viernes que se haga presente el domingo (todavía hay entradas remanentes por Ticketeck). Porque la experiencia es demasiado increíble como para dejarla pasar.

A Manrey se le rompió la pc, cosa que lo obligó a estar 20 horas diarias frente a la televisión, cosa que lo llevó a escribir sobre el último producto del creador de Lost:  Fringe, heredera de los modos paranormalescos de los expedientes X pero con el típico sello de JJ Abrahams (finales que te dejan puteando). Dado que el autor no tuvo la voluntad de entrar 15 minutos a un cybercafé para pasar la nota a formato digital, en la oficina de redacción recibimos el artículo escrito en un cartón que supusimos fue parte de una caja de pizza.

Abocado principalmente a prepara un final para la facultad, y a jugar compulsivamente al Bouncing Balls en Facebook (con 65700 puntos, está primero en el ranking de amigos) Franca plasmó en el sitio la visita que el GrupoMuu realizó a la Exposición Rural Argentina. Desde la redacción queremos dejar en claro que dicho artículo NO fue motivado por el consumo de ácido lisérgico, como muchos de nuestros lectores han supuesto.

El Pedro se dedicó a insultar en reiteradas ocasiones a Manrey, argumentando que enviar un texto en una caja pizza es una provocación injustificada, sobre todo considerando el hambre que hay en la oficina de redacción. Con las mima actitud contestataria se dedicó a plasmar sus opiniones con respecto a la censura en Padre de Familia y la gente que hace “política” en Facebook

Nico P. no apareció por la oficina esta semana. Las hipótesis giran en torno a una extensa maratón de capítulos de Battlestar Galáctica. Aprovechamos este lugar para hacer pública la denuncia por su desaparición y de paso reforzar el avisó de Missing Children que está apareciendo en estos momentos en el programa de Susana Giménez.

Manrey optó por dar su opinión de la Fiestas Bubamara, períodico encuentro colectivo de gente contenta. El envento que lo enamoró y lo llevó a convertirse inmediatamente en habitué lo lleva ahora a difundir  la palabra del Señor (del señor Kusturika). “La buba es amor” dice, dando fe de no estar bajo el efecto de ningún estupefaciente mas que aquél generado por el placer de escuchar música gitana.

Decepcionado por los resultados del film sobre uno de sus más grandes fetiches, los transformers. Franca se dedicó renglón tras renglón a despedazar a su director y totemizar a su protagonista femenina. La dicotomía de babosearse con las escenas de robototes y al mismo tiempo retorcerse por uno de los peores films de los últimos años es el motor de la reseña del film producido por Steven Spielberg.

Ciertas nuevas tendencias del ámbito de la publicidad han dejado a El Pedro absolutamente indignado. El uso indebido de la comuna geek desata el debate por el borramiento de los límites identitario: el que antes era excluído hoy es considerado “cool”. Lo poco que nos queda está siendo comercializado (y no especificamente como figuras de acción coleccionables, osea, como nos gustaría a nosotros)

Nico P. se presentó comentándo un clásico de las tardes de cine shampoo: “Weekend At Bernies“.  Rescate emotivo de la comedia ochentosa donde dos flacos se paseaban con un fiambre por las playas norteamericanas.