Quienes intenten entrar hoy a este magnífico espécimen del anarquismo y la desregulación de contenidos en internet se encontrarán con el inconveniente de no poder ver casi nada, ya que el plugin que creara Tomás Escobar y compañía, y que nos permite apreciar dichos videítos online, está teniendo ciertos inconvenientes técnicos. Los archivos aún pueden descargarse directamente de los servidores que utiliza Cuevana, así que: tranquilos que la información está allí y pronto se solucionaran los errores. También, en la portada del sitioweb podrán observar un comunicado de prensa firmado por su fundador, en el cual se agradece el apoyo de los usuarios frente a la supuesta demanda judicial que presentaría Telefé por haber transmitido material perteneciente a esta señal. Según Escobar, esta acusación nunca fue formalizada, pero bastó para que la cuestión se convirtiera en Trending Topic en estos días. Aclarado este punto, se comenta también como un hecho menor el hackeo sufrido el mismo domingo, el cual se plantea más como una travesura que como un ataque premeditado. Por último, se piden disculpas y paciencia, ya que los cambios siempre traen consigo algo de conflicto.

El simpático hack

El nuevo formato del sitio, además de proponer una interesante remodelación estética, presenta novedosas y jugosas características. Por ejemplo, para los vagos, una sección de recomendaciones, donde según nuestras preferencias se nos sugiere una peli que podría interesarnos. Por otro lado, encontramos un entorno mucho más amigable a la hora de buscar nuevos episodios de nuestras series favoritas. Así como también, la capacidad de ver muchos títulos en HD (720p) y próximamente doblados al español. Por último, vale destacar un apartado dedicado exclusivamente a cortos cinematográficos. Ahora, los usuarios de Cuevana podrán subir sus creaciones para compartirlas con el casi medio millón de visitantes diarios que tiene esta página web.

Con la llegada de Netflix (una versión paga y “legal” del streaming on demand, y que copa el mercado en EUA) a Latinoamérica en septiembre pasado, un fantasma recorrió la internet argenta: el fantasma del capitalismo. Comenzaron los rumores, entonces, acerca de la baja de Cuevana. De que si tendríamos que convivir solo con productos como On Video de Telefónica o VUDU, o si el mismo Netflix estaba detrás de toda esta trama y utilizó a Cuevana simplemente como un promotor de hábitos de consumo, que nos estaba preparando para el nuevo formato netamente comercial de visionado online de contenidos.

La realidad es, que frente a lo acontecido, nada haría pensar que este sitio desaparecerá de un día para el otro, más bien, sigue creciendo. Pero la paranoia en el geek siempre es sana, y en el día de ayer surgió el debate en Facebook. Se planteó la posibilidad de volver al VideoClub amigo, pero como las canchas de paddle, los cibercafés y los parripollos, a esta altura, ya han pasado a mejor vida. Entonces, el GrupoMuu buscó (infructuosamente) en la World Wide Web un par de páginas que podrían al menos llegarle los talones a este sistema de video streaming on demand. Por ejemplo: en lo que a películas respecta tenemos a Peliculón, Ver Pelis, Películas ID o Pelispedia (reomendado por EL editor). Sitios pobretones o meros Salieris de Cuevana (directamente copian su estética), con pocas actualizaciones y calidad deficiente de productos. Mientras que en el ámbito de las series podemos encontrar un par de de ejemplos un tanto más ricos. A saber: Series21, SeriesYonkis y Ver Series.

Con lo cual, la conclusión es clara: tenemos que cuidar y defender a este producto argento, que no infringe ninguna ley, y que nos acerca en tiempo, forma y calidad a una gran variedad de otros productos culturales, que de otra manera nos sería bastante complicado conseguir. Por sobre todo, su uso es gratuito. Por lo cual, hay que valorar a quienes laburan detrás y bancársela cuando, en los momentos de crisis, alguna cosita falla.

Me gustó. Me costó. La peli se estrenó el jueves pasado, la pude apreciar el viernes. Pero tardé varios días en digerirla. Es que es difícil. Más bien retorcida, y este último vocablo se lo pido prestado a otros cinéfilos. Para mí, a riesgo de desbarrancar, La piel que habito es un largometraje pervertido.

Y antes de hablar de cualquier otra cosa, tengo que hacer una gran confesión: no consumo el producto “Almodóvar”. Esto lo digo desde el prejuicio total. Lo cual está mal, claro está. Y creo que se debe al culto que se hace de este autor, fuertemente visible en Buenos Aires. También su look, los actores fetiches que usa y las temáticas que toca. Esa cosa de trademark que tiene el tipo. Lo que es más, firma sus pelis como: un film de ALMODOVAR, ¿y el nombre, macho? Estas cuestiones me chocan. Dicho sea de paso, solo vi Todo sobre mi madre, Volver (sin el final), Hable con ella, algo de La mala educación y no sé si alguna cosita de Mujeres al borde de un ataque de nervios. Así que en resumen, escribo desde la total ignorancia y con un poco de negligencia al respecto. Pido las disculpas pertinentes y prometo darme otra oportunidad con Don Pedro.

El tema, básicamente, es que en mi cabeza los “almodovarianos” son, por ejemplo, señoras de cuarenta y tantos años, llenas de pulseras en las manos, altamente bronceadas, teñidas de rubio, pintarrajeadas, seguramente maestra de colegio público, escuchan a Arjona y Radio 10 y su película favorita es Sexto Sentido. No sé por qué, simplemente es la imagen que se me forma. Encima, tratando de sacudirme este horrible escenario de prejuicio bobo, tropiezo con la excelsa prosa de Rolando Hanglin, en el día de ayer en La Nación, quien plantea lo siguiente: “Me tocó ir al cine. Lo digo de este modo porque sólo voy cuando estrenan una película de Woody Allen o de Pedro Almodóvar, y eventualmente de algún mejicano del grupo de González Iñárritu.” Lani, Lani, Lani. Me encuentro queriendo hacer un esfuerzo por quitarme los preconceptos de encima y me la pintas completa: “Almodóvar-Allen-Iñarritu”. Sin dudas, está trilogía representa al tipo de sujeto espectador que más me irrita (así como el gran nudista Hanglin, aunque este me sulfura a nivel general). Pero bueno, olvidemos el tema y vayamos al autor que poca culpa tiene en relación a los nefastos personajes que ven sus creaciones.

La piel que habito es una película oscura. Aunque los colores vivos, las puestas de cámara y la irrupción de un personaje vestido de tigre (y con cola), indiquen lo contrario. La misma nos relata la historia de Robert Ledgrad, un excepcional cirujano plástico que vive en su clínica-mansión-casa. Éste es el carácter que interpreta de manera excepcional Antonio Banderas. O sea, olvídense de El mariachi, El gato con botas, o el cura de El cuerpo. Esto es revolucionariamente (para él) otra actuación. Y aquí uno de los grandes logros de Almodóvar (amén de la peli en general). Llevar a Banderas a ser un tipo: frio, frio, frio. Parco, parco, parco. Loco, loco, loco. De un look impecable, vestido de puta madre (gracias a la colaboración de Jean-Paul Gaultier), con una presencia envidiable y unas frases memorables. Creo que la película vale la pena, simplemente, por escucharlo decir:

– Lo malo de las amenazas, es que me producen contagio.–, mientras abre el cajón de su escritorio para sacar una pistola.

Pero no solo de Banderas vive Almodóvar. Si de los hombres. Y eso es lo que más me choco de la película. No es debido a la homofobia. Pero a Pedro algo le pasa con los tipos. De todos los personajes masculinos que pueblan La piel que habito, ninguno posee cualidades rescatables. Son personajes perturbados: asesinan, torturan, engañan, golpean, chantajean, mienten y violan. Sí. El acceso carnal como LA fuente de placer y dominación. La penetración como la meta final del hombre, lo que lo lleva a la desdicha e incluso la muerte. A través de la penetración gira la película. Y es allí donde comenzamos a ver la verdad de la milanesa. Por ejemplo, a partir de lo que en el lecho (con “o”, eh!) Vera nos diga y le diga a Robert:

–¿Te parece si lo dejamos para mañana? Es que el Tigre me dejó hecha polvo.–

Esa frase. Esa frase, quedo clavada en mi sien, y por eso tardé en digerirla. Vera (Elena Anaya) es la vida que habita Robert. Es un proyecto. Su posesión más deseada. En donde deposita todas sus frustraciones y ambiciones (y posteriormente su pene, claro está). Vera y Robert conviven con Marilla (Marisa Paredes). Ella la tiene clara. Como buena ama de llaves sabe todo. El pasado oculto de nuestro protagonista, y también cómo terminará la historia. Sin embargo, no puede hacer nada para evitarlo. Robert es el pervertido (y no únicamente en el sentido de la desviación sexual). Lo cual se debe a las cosas horribles que le sucedieron en la vida, y porque así fue parido. “La locura está en mis entrañas”, dice su madre. Por otro lado, Vicente tuvo la mala idea de clavarse un par de pastis una noche, quedar dado vuelta como una media e intentar trincarse a la hija del cirujano plástico. Por motivos que no explicaré aquí (aunque se decanten por obvios), Robert rapta a Vicente y comienza allí su proyecto. Eventualmente, el destino alcanzará al primero.

Trágica, tenebrosa, atrapante, retorcida y merecedora de verse varias veces. Eso es lo que me dejó la Piel que habito, y sobre todo, para un escéptico previo, ganas de ver un poco más de Almodóvar. Me parece que es suficiente.

Según Wikipedia “un video musical es un cortometraje realizado principalmente para su difusión en video y televisión, que ofrece una representación visual de una canción.” Desde sus inicios estos metrajes fueron considerados productos de baja calidad, por ser entendidos como agentes de un género inferior. Y aunque algunos los idearon como los herederos del montaje del cine soviético (pongámosle  descendientes de Potemkin o Eisenstein) los videoclips siempre han mantenido una relación de semejanza/distanciamiento/dependencia con la cinematografía.

Muchos son los casos de directores que provenientes del universo MTV llegaron a la gran pantalla (y a los que no les fue tan mal en el proceso). Ejemplos de esto pueden ser: Michel Gondry, Spike Jonze, Anton Corbijn, Jonathan Glazer o David Fincher. Pero muchas veces son desconocidos quienes transitan el camino inverso, y de vez en cuando se dan el “lujo” de bajar del panteón. Veamos, entonces, una pequeña selección de videos musicales a modo ilustrativo.

Thriller – Michael Jackson (1982)

Él corto, del disco homónimo, que cambio la historia de los videoclips. John Landis, responsable de Los Blues Brothers y Tres Amigos, entre otras películas y series de  televisión, es quien llevó a cabo esta joya.

Dancing in the Dark – Bruce Springsteen (1984)

Say hello to my little friend: Brian DePalma. Un recital simulado con una, para ese entonces, desconocida Courney Cox y un balarín asesino llamado Bruce Springsteen.

Bad – Michael Jackson (1987)

Otro de Miguelito, también de disco homónimo. Dirigido por uno de los pocos tipos que gusta y entiende a la perfección la combinación cine-música: Martin Scorsese.

Reach – Martini Ranch (1988)

Ésta es una perla. De la banda no conozco nada. Pero el video lo dirige James Cameron. Suficiente.

I Touch Myself – Divinyls (1990)

Michael Bay. Sí, Don “exploto lo que encuentro” Bay. El muchacho tiene una extensa carrera en este ámbito, aunque esta canción lo pinta bastante bien. Ya que el 90% de las imágenes que crea en sus pelis son 100% pajerisantes  y exuberantes.

Under the Bridge – The Red Hot Chili Peppers (1991)

Gus Van Sant, otro que tiene muchos videos en su haber y pelís como Good Will Hunting, Paranoid Park, Milk y, lamentablemente, la remake de Psycho.

Gangsta’s Paradise – Coolio (1995)

Antes de dirigir Training Day, King Arthur, Shooter o The Replacement Killers, Antoine Fuqua agarró a Michelle Pfeiffer y pasó un ratito por el rap.

Scream! – Misfits (1999)

George Romero y el zombi-punk.

I Just Don’t Know What To Do With Myself – The White Stripes (2003)

La hija de Francis Ford, agarra a Kate Moss y la pone a stripdancear. A partir de una tema de Burt Bacharach y Hal David (del 62’), Jack y Meggan White hacen esta excelente versión, que Sofía Coppola termina de redondear.

Bones – The Killers (2006)

Para el final, una linda banda, de su disco Sam’s Towm y Tim Burton (sin Johnny Deep) tras las cámaras.

En Baires, el certamen tendrá lugar en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), donde se presentarán -entre otras- Belle Epine de Rebecca Zlotowski (Francia), Nostalgia de la Luz de Patricio Guzmán (Chile), Color Perro que huye de Andrés Duque (Venezuela), Curling de Denis Cotê (Canadá), Outrage de Takeshi Kitano (Japón), Meek’s Cutoff de Kelly Reichardt (EUA) y Nènete de Nicolás Philibert (Francia). El mismo arranca esta noche con Paths of Glory (la del ´57 de Kubrick).

Cada año, se elige a una de las ciudades como la sede cabecera del festival, contando con la aparición de artistas invitados. En este caso la concurrente de honor será la directora japonesa Naomi Kawase, quien va a estar  presente en el D.F. (la sede principal) y de quien se verá una selección de sus pelis en Buenos Aires, incluyendo Henzu no tsuki, la última que realizó y que participó del Festival de Cannes. A este film se le suman Hotaru (de 2009, reversión de la de 2000), Genpin (2010) y Shara (2003) .

La programación para estos 5 días estará dividida en dos porciones. Por un lado, el conjunto de proyecciones llamado “Sección Competitiva”, con películas seleccionadas entre las presentadas recientemente en los festivales internacionales. Por el otro, nos encontraremos con la “Sección Especial”, de menor extensión y relacionada directamente con la personalidad cinematográfica que el Festival toma como invitada de honor (en este caso, las cuatro pelis de Naomi Kawase).

Finalmente, el festival entregará el Premio del Público 4+1 a la Mejor Película, que “regala” unos 20.000 euros. Dicho galardón será decidido por votación directa del público asistente a las diferentes proyecciones en todas las sedes.

Pelis Muuy interesantes

- Meek´s Cutoff. 28 de octubre. 2000 horas.

Para aquellos que no pudieron verla en el BAFICI pasado, esta es una buena oportunidad para degustar un western indie. Situada en 1845 e inspirada en un hechos reales, Kelly Reichardt nos cuenta una suerte de crónica sobre las vicisitudes de los primeros pobladores del Oeste yankie, particularmente de Oregon. Allí, una caravana formada por tres familias decide contratar al montañero Stephen Meek para que les haga las veces de guía y encuentre un lindo lugar donde ellos puedan asentarse. Confiando en su experiencia, Meek sale del camino y agarra por un atajo. Lamentablemente, o no, se pierden. Listo el pollo: bardo.

- Outrage (Autoreiji). 29 de ocubre. 2000 horas.

La última peli del groso de Takeshi Kitano, más conocido por el samurái ciego revoleador de sangre a mansalva: Zatoichi. Esta vez nos trae una historia de yakuzas, la cual ya fue presentada en el pasado Festival de Cannes. Aquía la cosa es más básica. Una banda de rebeldes dentro de la mafia nipona comienza a descontrolar, complicándole la existencia al clan más poderoso de Tokyo. Otomo, personaje principal (e interpretado por Kitano), y su propia banda de rufianes serán los encargados de arreglar la situación y mantener el status quo.

- Shara. 30 de octubre. 1730 horas.

No es la más reciente de Kawase, pero es la mejorcita. Para ir cerrando el domingo y definitivamente clausurar el bajón que provoca este día, tenemos una película que cuenta la amargura de una familia que ha perdido a uno de sus hijos. Un día de verano, en una festividad típica japonesa, dos hermanos gemelos se pegan una carrerita a ver quien llega primero a casa, pero uno de ellos nunca arriba a destino.

Rubenacker nos trae a estos perritos de ojos saltones y orejas en punta en diversas secuencias que representan la cultura clásica norteamericana. Dicho artista nos muestra sus trabajos en su blog y los vende a través de Etsy (una suerte de MercadoLibre para artistas bizarros), en precios que rondan los 3 a 45 euros.

Para GrupoMuu realizamos una selección de sus más notables obras, cuya temática es: Star Wars.[nggallery id=13]

]]> http://grupomuu.com.ar/2011/10/24/arte-perruno/feed/ 0 http://grupomuu.com.ar/2011/10/18/clapton-en-baires/ http://grupomuu.com.ar/2011/10/18/clapton-en-baires/#comments Tue, 18 Oct 2011 15:13:31 +0000 Nico P. http://grupomuu.com.ar/?p=2319 Viernes, cerca de las 21 horas. Entrando en las limitaciones de estadio Antonio Vespucio Liberti. Apurado, transpirado, tratando al mismo tiempo de combinar el paso ligero del footing con el del trote. El último mensaje de texto decía algo como: “Rápido, no puedo guardar más los asientos”. Alrededor mío, la realidad era diferente. Como un cardumen de zombies, el resto de los individuos que completarían los 45.000 espectadores que presenciarían el show de Eric Clapton, caminan con una displicencia total hacia los pórticos del Monumental.

Finalmente, logro entrar. Sin embargo, mi epopeya no culmina con esta proeza. Preciso encontrar a un anteojudo medio colorado y medio pelado también. Obviamente, los teléfonos móviles dejan de funcionar cuando semejante multitud pretende usarlos en un radio de 200 metros al a redonda (dato no menor, que debiera tenerse en cuenta frente a posible invasión alienígena). Para colmo de males, Guasones está tocando – por suerte – sus últimos dos temas. Gracias a la divina providencia identifico a mi acompañante. Me ubico en mi asiento, mientras un cocacolero me empuja y pisotea un rato. La banda soporte se retira del escenario y los plomos comienzan a organizar todo para la principal.

2110 horas. Las luces se apagan. Clapton aparece en escena. Con muchas ganas pretendo pensar que arrancará su show con Bad Love, pero no fui atinado. El músico inglés de 66 años camina lentamente al centro del modesto escenario en el que se para y comienza a tocar su guitarra  siguiendo los doce compases del blues. Lo acompaña un grupo pequeño: bata, bajo, teclado y piano, y dos coristas.

- I’ve got the key to the highway. Billed out and bound to go. – canta don Eric mientras toca su Stratocaster celeste.

De esta manera comienza, lo que sería una suerte de declaración de principios. 16 temas después, y casi dos horas de recital, indicaron que el tipo vino a tocar blues. Contradictoriamente, o no,  se olvidó de su último disco (Clapton -2011- ), a excepción de un tema: When Somebody Thinks You’re Wonderful, y se la pasó tocando sus clásicos de siempre del blues y sus más afanados hits (menos Bad Love, lastima).

Alguna vez Joe Perry, de Aerosmith, escribió una canción intitulada Let the Music do the Talking. Clapton adhiere 100% a esta teoría. Exceptuando un “good night” al inicio del show o un entusiasta “thank you” al finalizar cada tema, Eric se mantuvo callado. Este año lanzó un DVD en vivo: Play the Blues Live from Jazz at Lincoln Center, con Wynton Marsalis, en el cual realiza un set super New Orleans. Allí, antes de presentar Layla, se mandó un discursito donde indicó claramente su descontento a la hora de interactuar con el público. Él prefiere tocar su guitarra. Y lo hizo de manera excepcional con una banda en igual nivel.

Armado más para un teatro que para un estadio como el de River, el grupo que acompañó a Clapton contó con Willie Weeks en bajo (un afroamericano confundible con el legendario: Nathan East), en batería Steve Gadd, teclados Tim Carmon, Chris Stainton en piano y dos hermosas coristas: Michelle John y Sharon White ¿Qué es lo rescatable de estos muchachos? Que cada uno en su lugar la rompió. Con temas que no bajaban en su duración de los 5 minutos, cada uno se lució en solos interminables. Un pianista que no dejaba espacio sin rellenar, dando unas 15 notas por compas, más o menos. El bajo y la batería que fueron un reloj suizo, y las coritas que metían miedo cuando cantaban: “I shot the sheriff, but I didn’t shot the deputy”, alcanzando a unos agudos impensables. Aunque, también, destacándose por sobre el resto, las locuras del pseudo Minimoog que tocaba Carmon.Key to the Highway, Hoochie Coochie Man, Tell the Truth, un set acústico con Driting y Nobody Knows You When You’re Down And Out, un Layla marchoso, Wonderful Tonight (sin JAF, otra lastima), Before You Accuse Me, Little Queen Of Spades (en el que mi compañero lloró), Cocaine y Crossroads. Demasiadas emociones juntas, y eso que no es la lista completa ¿Qué fue lo mejor de la noche, entonces? A mi entender: Old Love. Cuarto tema y entré en transé. Simplemente la piel de gallina, los pelos de punta. Esa tensión contenida, ese: “perra me arruinaste la vida, pero aún te quiero”. Eso, es lo que demostró Clapton, dando una clase de cómo tocar la guitarra. Con una terrible furia contenida, pero a la vez con claridad absoluta. Sabiendo que es lo que tiene que hacer, después de haber tocado el mismo tema 800 millones de veces, pero dejándose llevar y dándole un toque diferente y único. Donde los solos ya desde la versión original -la de estudio- eran importantes, y en donde los cuales dividian al tema en dos claras secciones. Quienes recuerden el Unplugged largarán un lagrimón al rememorar lo que hizo allí Chuck Leavell. Pero aquí el tecladista (Tim Carmon) no se quedó atrás y se mandó una fumata importante de delirio artístico, doblándole la apuesta al propio Clapton.

En resumen, fue una noche redonda. Tranquila. Sin pogo en River. Pero con mucha emoción,  sentimiento y personalidad. Es decir: con mucho blues.

]]> http://grupomuu.com.ar/2011/10/18/clapton-en-baires/feed/ 0 http://grupomuu.com.ar/2011/10/17/%c2%bfestan-listos-para-el-gore/ http://grupomuu.com.ar/2011/10/17/%c2%bfestan-listos-para-el-gore/#comments Mon, 17 Oct 2011 14:57:25 +0000 Nico P. http://grupomuu.com.ar/?p=2307 Un sheriff de condado pequeño y un redneck persiguen los rastros de una niña de 12 años perdida en un bosque. Se cruzan con un caminante. El segundo de los buscadores le asesta un ballestazo en la nuca. El primero examina el cadáver del cadáver. Inmediatamente, da cuenta de que éste ha “comido” recientemente. Para estar bien seguros, deciden abrir a la mitad los frescos (o no) restos. El redneck saca un machete de proporciones desmesuradas y de tres certeros golpes zanja al zombi de par en par. Acto seguido, comienzan a destriparlo para darse cuenta de que no ha engullido a la niña buscada, sino a una marmota.

En el día de ayer se estrenó para los Estados Unidos en el canal de cable AMC la segunda temporada de la serie sobre muertos vivientes The Walking Dead. Basada en el comic homónimo de 2003, creado por Robert Kirkman y el dibujante Tony Moore, esta mini-serie fue pensada y desarrollada para la TV por Frank Darabont, director de The Green Mile, The Mist (sendas novelas de Stepehen King), The Majestic y de la mejor película de la historia según Imdb: The Shawshank Redemption (¿?), otra peli basada en un libro del Sr. King, más conocida por estos lares como Cadena Perpetua.

La historia es simple: post-apocalipsis zombi. Un grupo de sobrevivientes busca escapar de la horda de no-muertos, atravesando carreteras estadounidenses en caravana. Rick Grimes, será nuestro protagonista y líder. Un segundo de sheriff de un pueblito de Georgia, que después de despertar en un hospital luego de un largo coma (toque clásico) se desayuna de lo acontecido y va en busca de su familia. Armado de su sombrerito, una Magnum .357, un caballo y miles de otras armas sale a la caza de su esposa e hijo. En resumen, los encuentra junto a su amigo  -también un hombre de la Ley-, el cual de paso se movía a su mujer, y a todo un grupo de personitas a las cuales deberá proteger, porque él (claro está) es el héroe. Así, transcurren 6 episodios llenos de sangre, putrefacción, tensión y mucho mucho gore, donde el ojo está puesto en el factor humano. En las decisiones que deben tomarse para seguir adelante, las cuestiones del cuore (sí, existe el amor en un mundo de zombis) y los conflictos del orden moral, entre lo muerto y lo vivo y entre un “ellos” y un “nosotros” que muta cada vez más hacía lo primero.

Esto mismo encontraremos mañana, 18 de octubre, a las 22 horas en Fox, cuando se presente What Lies Ahead, el genial primer capítulo de la segunda temporada, la cual constará, nuevamente, de 6 emisiones. Tanta celeridad en el estreno para Latinoamérica, indica una clara toma de postura frente a plataformas de streaming como Cuevana o la descarga directa de los ripeos de HDTV yanquis. Está claro que lo que se busca es recrear en la región del sur los niveles de audiencia obtenidos el año pasado en Estados Unidos (en promedio 5 millones de espectadores) o en España (3 millones). De esta manera, la nueva temporada de The Walking Dead comienza con mucha fuerza y empuje intentando doblar la apuesta en relación a lo visto anteriormente.

Estas sensaciones son las que trasmite Terrence Malick, a través de la historia de Jack y su familia en The Tree of Life. Con 38 años de carrera y 5 películas en su haber, este director se toma todo el tiempo del mundo para pensar las cosas. Lástima que solo él las entienda.

Una tenue luz anaranjada en el centro de la oscuridad.

– Hermano… hermano – una voz masculina susurra, todavía en el negro total.

Acto seguido, una muchacha de rizos colorados relata con una dulzura angelical, mientras los planos no paran de girar y girar, lo siguiente:

– El hombre tiene ciertas formas de pasar por la vida. La de la naturaleza o la de la gracia. Hay que elegir cual seguir. La gracia no intenta autosatisfacerse, acepta que la dejen de lado, que la olviden, que la rechacen. Tolera insultos y heridas. La naturaleza, solo quiere complacerse. Mientras, agota a los demás manejándose con prepotencia. Tiene sus propias formas. Encuentra razones para ser infeliz, aún cuando todo brilla a su alrededor, cuando el amor sonríe a través de todas las cosas. Nos enseñan que quien amé la vida de la gracia no podrá tener un final feliz.

En estos 3 minutos y pico de comienzo de peli, Malick trata de resumir un relato más que laberintico acerca de un drama familiar, un hijo rebelde, un padre duro y severo y una madre dulce y pasiva.

El árbol de la vida se estrena hoy en los cines argentinos. Con la última Palma de Oro a cuestas, la peli promete y promete, y a 6 años de su antecesor (The New World) la expectativa es notable. El descontento, también.

Básicamente nos encontramos con una puesta en escena monumental. Con 5 montajistas (sí, cinco). Así que a nivel estético, la cosa está más que lograda. Unos planos loquísimos en contrapicado y con una profundidad terrible, la cámara que te marea de cómo gira y unas secuencias desarrolladas por animación computada que de una belleza destacable. Pero aquí radica el problema.

Una familia en la década del ‘50, padres y tres hermanos que rondan los 7 y 12 años. En la actualidad un cuarentón (los números no cierran) arquitecto, aparentemente el más grande de estos hermanos. El cual interpreta Sean Penn. Trabaja en un lindo rascacielos con un gran árbol en su entrada. Volviendo al pasado, en esas casas de antes de los barrios residenciales yankies, con enormes jardines –frontales y traseros- el padre (Brad Pitt) y la madre (Jessica Chastain) se enteran que su hijo, aparentemente el del medio, ahora de 19 años, ha fallecido en una guerra (se presume Vietman). El tema de la duda está súper presente, como podrá notarse.

Todos lloran la muerte, pero quien la siente más es Jack, el mayor. Que hasta la fecha lo sigue recordando. Él se parece más a su padre. Un tipo de la naturaleza, hecho y derecho. Que acosaba a sus hijos para sacar el mayor provecho de ellos. Recto y decidido. Su hermano, era la gracia, su madre. La sensibilidad, el amor, la caricia y la entrega. Muere defiendo a los suyos (se presume).

Eso es todo. En el medio LA reflexión. La pregunta por el ser, la muerte, la vida y la fe. Allí, nuevamente, radica el problema. La historia podría haberse contado en pocos minutos. Sin embargo el relato se extiende a las dos horas y veinte minutos ¿Qué es lo que pasa? Pasa, que en el diome nos meten 2 capítulos de la serie Cosmos. Escenas y secuencias enteras que representan esa contraposición entra lo natural y lo sensible. En unos 20 minutos nos presentan el inicio de la Vida. Pasando por el Big Bang a la extinción de los dinosaurios. La descripción y el comentario se hacen cargo de la narración, haciéndonos perder en un mar de significaciones.

 Aristóteles alguna vez habría dicho que hay hombres que existen por la naturaleza y otros que lo hacen por otras causas. Por la primera existen los animales y sus partes, por ejemplo. Y por el otro, aquellos que están constituidos de manera artificial: una cama, una mesa. Así la naturaleza es un principio y causa del movimiento, y el reposo sería su opuesto. La gracia, eso es la peli. Por este motivo, no tiene un final feliz. Y a su vez, la gracia es una de las cualidades de las que adolece.

- Che ¿viste Damas en Guerra?, pregunta el primero de los sujetos. A lo que el segundo responde:

- Nah, la verdad que no me interesa demasiado.

- Entonces, escribo algo yo sobre el tema.

- Ok, no hay drama.

24 horas, tras 24 horas, dicho artículo no se publica. Siendo viernes, el segundo de los personajes decide tomar la posta y completar el deseo del primero.

Presúmase, entonces, que charlemos un rato sobre una peli que se estrenó ayer, la cual pretende ser la apuesta más fuerte de esta semana: Bridemaids.

Comedia romántica. Producida por Judd Apatow. Protagonizada por Kristen Wiig y Maya Rudolph. Típica película en la que poquísimo importa el director y cuya relevancia es casi nula. Pobre Paul Feig, director de muchísimas series de comedia o similares (Weeds, The Office, Nurse Jackie, Arested Development, etc.) quien queda eclipsado por un Apatow, como el hombre tras las sombras, y las muchachas de SNL como núcleo y cara reconocible de Damas en Guerra.

Una historia de amigas. La rubia: una looser total, con problemas sentimentales y financieros; la morocha: su compa de toda la vida que pronto va a casarse y que, lógicamente, tiene un mejor pasar. En el medio: la tercera en discordia, quien pretende la amistad de la segunda. Los celos, la locura, la depresión y el egoísmo invaden el escenario.

Otra vez el casamiento. Frente a la creciente desvalorización del matrimonio como institución y en contraposición a pelis como Friends with Benefits o No Strings Atacched, se nos presenta a la “versión femenina” de The Hangover. ¡¡¡Atenti!!! Si han leído esto, y su motivación para per el film es la anterior, olvídenlo. No tiene nada que ver con las desventuras de aquellos tres hombres en la despedida de soltero de su amigo. Es más, las Damas en Guerra intentan viajar a Las Vegas, pero infructuosamente. Sus desventuras no son grupales. Y el casamiento pasa a un segundo plano, donde lo realmente importante es el bajón anímico y recuperación del carácter que interpreta Kristen Wigg, o sea: Annie

Dos horas y cinco minutos. Eso sí que es bastante tiempo para una comedia. Y a la vez bastante poco para la cantidad de cosas y personajes que presentan y tratan. Por ejemplo: el fuck buddy de Annie, el poli con el que coquetea, sus dos nefastos-geniales-ingleses roommates, su madre, su ex laburo y vocación, su infancia junto a su antigua amiga y las damas de honor, sus nuevas amigas. Sobre estas últimas vale destacar la genial actuación de Melissa McCarthy, quien recientemente ganó un EMI como mejor actriz de comedia por su rol en Mike & Molly (una serie sobre gordos, ¡sí! esa es la premisa). Un personaje que le otorga un toque de color bizarro a la peli y que, dicho sea de paso, se la lleva por delante.

El tipo de humor es bastante compacto y compartimentado. Secuencias enteras de gags y luego desarrollo de la historia. Escenas como la del discurso en la fiesta de compromiso son bastante irritables, pero otras como la del avión están más que bien logradas. Un detalle digno de elogio es la escenita de Annie viendo Naúfrago (Cast Away) en el momento que Wilson se despide de Tom Hanks, dándose a la mar, y este último lo llora, al mismo tiempo que la protagonista de la peli.

Simple y redonda, quizás un poco extensa, Braidmais busca retratar de la manera más cómica posible una cierta realidad. La de los jóvenes treintañeros, y en especial las mujeres, donde los problemas financieros, sentimentales y de identidad son notables. Donde, también, es valioso destacar la enorme cantidad de desventuras e infortunios por los que transita Annie, llegando a rozar casi el borde de la inverosimilitud. Pierde su trabajo, consigue otro mal pago y también la echan, sale con un cerdo, y cuando encuentra un tipo decente logra alejarlo, se pelea con su única amiga y la obligan a volver a vivir con su madre. Sin embargo, como en toda comedia romántica, el final nos obliga a salir del pozo. Con un poquito de ayuda de sus amigas, levanta cabeza, consigue al galán y todo vuelve a encausarse.

“…Men”, es lo último que logra escucharse. Un travelling de derecha a izquierda descubre un  coqueto ataúd. Mientras el plano se abre se presenta un hombre vestido en negro dirigiéndose a los concurrentes de la ceremonia, que se presume es un velatorio. Junto al orador, de una percha cuelgan una camisa de bolos, mangas cortas a rayas, y unas bermudas tipo cargo.

– Les agradezco por estar hoy aquí. Sé que este es un día triste para todos -, afirma un Alan Harper acongojado.

– ¡Habla por ti!- le responde una de las tantas mujeres que pasaron por la vida de su hermano Charlie.

De esta manera se da fin al affair Sheen-Lorre. Luego de tantos meses de batalla, dudas, chismes, escándalos y sobre todo comedia, un productor demostró que puede más que la estrella principal de un show de TV. En el pico de popularidad de “Two and a Half Men” y en el inicio de su novena temporada, la CBS da por muerto a su protagonista y plantea un nuevo universo en el cual el mayor atractivo de esta sitcom es dejado de lado.

Charlie Sheen fue expulsado de “Dos hombres y medio”  luego de que agrediera verbalmente a su creador y productor Chuck Lorre. Este evento concluyó con una serie de indecorosos sucesos en la vida del actor, como pueden ser la destrucción de una habitación de un hotel, una supuesta orgía con actrices porno y su internación por problemas derivados de sus excesos (sobre todo el alcoholismo).

19 de septiembre, prime time yankie, Sheen hace una aparición en el “Comedy Central Roast” parodiando, obviamente, junto a su padre a “Apocalipsis Now”.

En la otra esquina, el personaje que interpreta Ashton Kutcher en una noche de tormenta y tras un intento de suicido entra a la casa de playa de Malibú de Charlie Harper, mientras su torpe hermano derrama las frescas cenizas de este último en el piso. El simbolismo es fatal. Ya nada queda del borracho, mujeriego y adinerado gingelista. En su remplazo nos encontramos con un joven, bien dotado, geek. Un magnate de las .com, que tras vender un sitio de su creación a Microsoft se llena de millones. Sin embargo, su mujer lo deja y este se suma en una terrible depresión. Para conveniencia de Lorre y Cía., Alan logra cambiar el semblante de Walden Schmidt (así se llama el personaje de Kutcher), quien decide comprar la más que hipotecada casa de playa de los Harper y convivir con sus nuevos amigos.

La única conclusión que arroja este primer capítulo de la última temporada de la sitcom que aquí transmite Warner, es que hay que darle tiempo para que madure. No generar demasiadas expectativas, sería otro punto. Así como tener una linda apertura al cambio es aconsejable. Desde “Friends” en adelante las comedias de situación fueron mermando bastante en popularidad y calidad, y los 9 años en cartel de “Two and a Half Men” quizás demuestren la excepción a esta regla. Sin embargo, todo tiene un fin. Hasta este patético artículo.