Déjenme decirle amigos que el film (injustamente programado para estrenarse recién el 12 de enero aquí en el país) no tiene desperdicio: es una pieza sumamente divertida que no da respiro a almas ingenuas, que se empiezan a matar de risa con solamente ver un oso de peluche enorme vestido de traje, como la mía.

Todo lo que se hizo para Los Muppets está bien hecho: la trama puede ser cliché, pero se sabe específicamente como tal, y lo demuestra jugando con idas y vueltas de chistes que abren un juego metadiscursivo sobre la misma. Así se habilita una doble lectura que es la clave de su éxito: los chicos disfrutan una historia simple y divertida, los grandes disfrutan una lectura cínica sobre esa historia, sabiendo que ahí atrás hubo mucha gente que se cagó de risa haciéndola.

Ya sé que se la mano de Pixar y estudios similares, el target “kidult” no es ninguna novedad en el mercado, pero Los Muppets va más allá de hacer algunos chistes que los chicos no entiendan y jugar con referencias a la cultura pop de años que ellos no conocieron. Los Muppets, desde el vamos, son unas de esas referencias y me atrevería a decir que el film apunta más a aquellos que la toman como tal, que a aquellos que son ajenos a su universo y necesitan ser introducidos en él. Viniendo de Disney, no podemos negar que es una jugada bastante madura.

Hay cosas que de la película que me llevan a pensar en El Viaje de Chihiro o Alicia en el País de las Maravillas, en tanto que, salvando tooooodas las distancias, el guión viene con un nivel tan alto de limadura que abre una lectura solamente disfrutable por aquellos entrados en años. Me da la impresión de que el nene que ve hoy los Muppets y la vuelve a ver en 15 años, va a sentir lo mismo que cuando nosotros volvimos a ver Laberinto, y me atrevería a decir que justo ahí, más que en trabajo con las marionetas, está el legado del magnánimo Jim Henson.

Parte de la responsabilidad de todo esto se la lleva Jason Segel escritor (junto a Nicholas Stoller, que dirigió a Segel en la genial Forgetting Sarah Marshall y escribió también Get Him To The Greek, Fun With Dick And Jane y varios capítulos de Undeclared) y protagonista del film, quien supo armar una película relegando inteligentísimamente su papel y el de Amy Adams (que hace de su novia) a un segundo plano. El hecho que dos grandes representantes de la factoría Apatow hayan llegado a colaborar con Disney vuelve a dar cuenta que el estudio parecía tener bien claro a quién iba a estar dirigido el relanzamiento de la franquicia. Si sumamos el dato que la película fue dirigida por James Bobin, co-creador de Flight Of The Conchords y de varios de los personajes de Sacha Baron Cohen (Borat, Ali G, Bruno, etc.) ya no hay muchas dudas al respecto

Como decía, acá tanto Segel como Adams parecen entender que acá no tienen demasiado que hacer, y por suerte esa idea no parece incomodarlos. Sí tienen sus momentos en algunos números musicales (que a mi criterio fueron lo más flojo de la peli, pero el hecho de que la haya tenido que ver en castellano  no colaboró demasiado) y un arco argumental que los involucra a ellos solos, pero sin duda queda bien en claro que el film le pertenece a la Rana René (por cuestiones de nomenclatura ver la columna que acompaña a este artículo) y a todos sus colaboradores. Y no solo les pertenece de forma más que justa, sino que al mismo los homenajea emotiva e inteligentemente. Quizás, considerando estos tiempos difíciles para productos de nuestra infancia como Alvin o los Pitufos, el mayor mérito de The Muppets es no tratar de reinventar, rebootear o renderizar a sus protagonistas: la película es un rescate y un llamado de atención sobre todo lo increíbles que son los muñecos creados por Henson.

Hace unos meses el legendario Frank Oz, creador, titiritero y voz original de Miss Piggy y muchos otros muppets (y del Maestro Yoda también) declaraba que fue invitado a participar en la película, junto a varios otros miembros originales de la troupe de Henson y que rechazó la oferta porque consideró que el guión no respetaba la esencia de los personajes. La cuestión es que la película comienza con el grupo separado y distanciado, con cada integrante tratando de ganarse la vida de una forma diferente, y puede ser que ese detonador le quite un poco de su ingenuidad característica a la franquicia. Pero de todas formas, es una libertad mínima que se toma Disney en el relanzamiento de los Muppets, y sirve para detonar una trama actualizada sin destruir en el intento al conjunto de títeres, cosa que repito, es bastante meritoria de por sí.

En resumen. Tras un año de expectativas muy grandes, producto de una campaña de marketing excelente debo decir, la nueva película de los Muppets es una hora y media de risas que no dan descanso, a lo que se le suma el gratificante optimismo de ver que por una vez, el presente le hace mucha justicia a la nostalgia del pasado. Recomiendo no perdérsela.

La práctica, conocida como crowfunding, está volviéndose cada vez más conocida en la web (sobre todo en el hemisferio norte) mediante sitios como Kickstarter, o el español Goteo. Básicamente implica que uno publique su idea y de lugar a aquellos a los que le pareció zarpada, a que aporten dinero para llevarla a cabo.

Para este proyecto se abrieron dos figuras para que los usuarios aporten dinero: una es la del “productor”, que se habilita con la donación mínima de €2 e implica un nombramiento en los créditos de la película, recibiendo en el proceso un welcome pack y un número para el sorteo de uno de los trajes de cosmonauta utilizados en el rodaje. Aportes mayores podrán ser usados también para comprar merchandising en la tienda online. La segunda figura es la del “inversor”, aquella alma generosa que con un aporte mínimo de €1.000  tenga la posibilidad de comprar un porcentaje del film, participando en la repartición de beneficios.

De esta forma, con 3757 inversores y 502 productores, El Cosmonauta ya ha conseguido más de € 460.000, cifra que representa el 54% del presupuesto inicial, y con la cual se ha podido terminar el rodaje.

Este film de los españoles Riot Cinema Collective tiene otro punto interesante: va a ser la primer película que abraza íntegramente el Creative Commons, publicando el 100% del material, desde los guiones al video filmado, para que cualquier usuario lo agarre, lo reedite y disponga de él a su criterio. Así, cualquier usuario podrá hacer un corte personalizado de la película.

La historia se basa en el esfuerzo de Stan Arsenievich para convertirse en el primer cosmonauta soviético, desaparecido tras su primer despegue, y el esfuerzo de su amigo Andrei, quien lidera la misión para encontrarlo. El tema es que después de siete meses de esfuerzos en vano, comienzan a aparecer mensajes de Stan, quien asegura que llegó nuevamente a la Tierra y la encontró completamente vacía.

Se acaba de estrenar el primer tráiler de la película, que pueden ver a continuación, y se espera comenzar a difundir el montaje final del film a mediados del año que viene.

Más información en elcosmonauta.es

El dato numerológico en juego está en que entre estos dos films hay 9 años de distancia, y no falta mucho para que hayan pasado otros nueve desde el estreno de la segunda parte de la historia de Celine y Jesse (zarpado como pasa el tiempo).  Al parecer, los tres involucrados ya vienen hablando seguido al respecto, y si arrancaran a laburar el año que viene podríamos legar a ver en qué (y por qué ciudad) andan los protagonistas en 2013.

Me gustó. Me costó. La peli se estrenó el jueves pasado, la pude apreciar el viernes. Pero tardé varios días en digerirla. Es que es difícil. Más bien retorcida, y este último vocablo se lo pido prestado a otros cinéfilos. Para mí, a riesgo de desbarrancar, La piel que habito es un largometraje pervertido.

Y antes de hablar de cualquier otra cosa, tengo que hacer una gran confesión: no consumo el producto “Almodóvar”. Esto lo digo desde el prejuicio total. Lo cual está mal, claro está. Y creo que se debe al culto que se hace de este autor, fuertemente visible en Buenos Aires. También su look, los actores fetiches que usa y las temáticas que toca. Esa cosa de trademark que tiene el tipo. Lo que es más, firma sus pelis como: un film de ALMODOVAR, ¿y el nombre, macho? Estas cuestiones me chocan. Dicho sea de paso, solo vi Todo sobre mi madre, Volver (sin el final), Hable con ella, algo de La mala educación y no sé si alguna cosita de Mujeres al borde de un ataque de nervios. Así que en resumen, escribo desde la total ignorancia y con un poco de negligencia al respecto. Pido las disculpas pertinentes y prometo darme otra oportunidad con Don Pedro.

El tema, básicamente, es que en mi cabeza los “almodovarianos” son, por ejemplo, señoras de cuarenta y tantos años, llenas de pulseras en las manos, altamente bronceadas, teñidas de rubio, pintarrajeadas, seguramente maestra de colegio público, escuchan a Arjona y Radio 10 y su película favorita es Sexto Sentido. No sé por qué, simplemente es la imagen que se me forma. Encima, tratando de sacudirme este horrible escenario de prejuicio bobo, tropiezo con la excelsa prosa de Rolando Hanglin, en el día de ayer en La Nación, quien plantea lo siguiente: “Me tocó ir al cine. Lo digo de este modo porque sólo voy cuando estrenan una película de Woody Allen o de Pedro Almodóvar, y eventualmente de algún mejicano del grupo de González Iñárritu.” Lani, Lani, Lani. Me encuentro queriendo hacer un esfuerzo por quitarme los preconceptos de encima y me la pintas completa: “Almodóvar-Allen-Iñarritu”. Sin dudas, está trilogía representa al tipo de sujeto espectador que más me irrita (así como el gran nudista Hanglin, aunque este me sulfura a nivel general). Pero bueno, olvidemos el tema y vayamos al autor que poca culpa tiene en relación a los nefastos personajes que ven sus creaciones.

La piel que habito es una película oscura. Aunque los colores vivos, las puestas de cámara y la irrupción de un personaje vestido de tigre (y con cola), indiquen lo contrario. La misma nos relata la historia de Robert Ledgrad, un excepcional cirujano plástico que vive en su clínica-mansión-casa. Éste es el carácter que interpreta de manera excepcional Antonio Banderas. O sea, olvídense de El mariachi, El gato con botas, o el cura de El cuerpo. Esto es revolucionariamente (para él) otra actuación. Y aquí uno de los grandes logros de Almodóvar (amén de la peli en general). Llevar a Banderas a ser un tipo: frio, frio, frio. Parco, parco, parco. Loco, loco, loco. De un look impecable, vestido de puta madre (gracias a la colaboración de Jean-Paul Gaultier), con una presencia envidiable y unas frases memorables. Creo que la película vale la pena, simplemente, por escucharlo decir:

– Lo malo de las amenazas, es que me producen contagio.–, mientras abre el cajón de su escritorio para sacar una pistola.

Pero no solo de Banderas vive Almodóvar. Si de los hombres. Y eso es lo que más me choco de la película. No es debido a la homofobia. Pero a Pedro algo le pasa con los tipos. De todos los personajes masculinos que pueblan La piel que habito, ninguno posee cualidades rescatables. Son personajes perturbados: asesinan, torturan, engañan, golpean, chantajean, mienten y violan. Sí. El acceso carnal como LA fuente de placer y dominación. La penetración como la meta final del hombre, lo que lo lleva a la desdicha e incluso la muerte. A través de la penetración gira la película. Y es allí donde comenzamos a ver la verdad de la milanesa. Por ejemplo, a partir de lo que en el lecho (con “o”, eh!) Vera nos diga y le diga a Robert:

–¿Te parece si lo dejamos para mañana? Es que el Tigre me dejó hecha polvo.–

Esa frase. Esa frase, quedo clavada en mi sien, y por eso tardé en digerirla. Vera (Elena Anaya) es la vida que habita Robert. Es un proyecto. Su posesión más deseada. En donde deposita todas sus frustraciones y ambiciones (y posteriormente su pene, claro está). Vera y Robert conviven con Marilla (Marisa Paredes). Ella la tiene clara. Como buena ama de llaves sabe todo. El pasado oculto de nuestro protagonista, y también cómo terminará la historia. Sin embargo, no puede hacer nada para evitarlo. Robert es el pervertido (y no únicamente en el sentido de la desviación sexual). Lo cual se debe a las cosas horribles que le sucedieron en la vida, y porque así fue parido. “La locura está en mis entrañas”, dice su madre. Por otro lado, Vicente tuvo la mala idea de clavarse un par de pastis una noche, quedar dado vuelta como una media e intentar trincarse a la hija del cirujano plástico. Por motivos que no explicaré aquí (aunque se decanten por obvios), Robert rapta a Vicente y comienza allí su proyecto. Eventualmente, el destino alcanzará al primero.

Trágica, tenebrosa, atrapante, retorcida y merecedora de verse varias veces. Eso es lo que me dejó la Piel que habito, y sobre todo, para un escéptico previo, ganas de ver un poco más de Almodóvar. Me parece que es suficiente.

Qué más sino grandeza podemos esperar de la ópera prima de Armando Bo, que encuentra su personaje y protagonista en la figura de John McInenry el gran imitador de Elvis nacional.

La descripción del film nos anuncia que “un hombre (Mclnerny) vive en un olvidado barrio de Buenos Aires como si fuera la reencarnación de Elvis Presley. Ya a punto de llegar a la edad que Elvis tenía al morir, la decisión de seguir a su ídolo hasta el final y la lucha por evitar que la realidad se le venga encima, lo embarcarán en un viaje de locura y música.”

Para aquellos que no frecuenten el ámbito de los imitadores de Elvis, les cuento que McInenry es una institución. Dotado de una voz y un físico que hacen difícil competir con él, el cantante de la Plata viene desde hace años deleitando a los fans más frikis del Rey. Lo conocimos por primera vez en el San Pedro Country Music Festival (edición 2006 si mal no recuerdo) y quedamos boquiabiertos. Y cuando nos enteramos que iba a dar el salto actoral de la mano del nieto homónimo del histórico Armando Bo (co-escritor del guión de Biutiful junto a Alejandro González Iñarritu), la ansiedad comenzó a correr por nuestros huesos.

El Último Elvis tiene estreno anunciado para marzo del próximo año. Prometemos que los mantendremos informados.

El director de Ausente habla de su intención de romper con los estereotipos de la homosexualidad en el cine, tarea que ya había iniciado en su ópera prima, Plan B. Además, opina sobre las particularidades del circuito cinematográfico argentino, y adelanta su próximo proyecto.

A Marco Berger le gusta conservar recuerdos de sus películas. La remera que, en Ausente, uno de los protagonistas le regala a otro; el ochentoso visor de imágenes en 3D que, en Plan B, también funciona como conexión entre los dos personajes principales… Estos íconos, como los llama el joven cineasta, aparecen expuestos en un mueble de su departamento junto con otros elementos que operan como representaciones significantes de su vida, y particularmente, de la pasión que siente por lo que hace. Entre esos mementos, sobresale la más reciente adquisición: una estatuilla de un oso dorado, de unos 20 centímetros de alto. Se trata del premio Teddy, un galardón que se entrega a películas de temática gay, lésbica o transgénero en el Berlinale, el Festival Internacional de Cine de Berlín, y que fue recibido por figuras de la talla de Pedro Almodóvar, Gus Van Sant, Tomás Gutiérrez Alea y Derek Jarman, entre otros. En la reciente edición del Berlinale, el Teddy consagró como mejor largometraje al segundo film de Berger, Ausente, que se estrenó el pasado 11 de agosto en el MALBA y que actualmente se exhibe en el “Buenos Aires Mon Amour” Cineclub (Sala Godard).

—   ¿Habías pensado en la posibilidad de recibir ese premio?

—   Al tratarse de una película gay, y dado que en Berlín hay un montón de películas de esta temática, había mucha expectativa desde el lado de los productores, los distribuidores, todo lo que tiene que ver con la venta. Yo había pensado en la posibilidad de que ganara, pero me parecía muy raro que se pudiera dar. En su momento había tenido el sueño de que se cumpliera eso con Plan B; me parecía que cerraba más desde ese lugar, pero con Ausente no tenía una expectativa muy grande (a pesar de que la película me encanta). Después de que se exhibiera en el festival, antes de volverme, me pidieron que me quedara dos días más para estar en la entrega de este premio, porque la película estaba nominada; ahí pensé, “puede pasar”, pero también pensaba que me quizás querían que me quedara sólo para figurar. El evento duró como dos horas, y al final anunciaron que Ausente había ganado el Teddy. Ahí sí que no lo pude creer. Más que nada por todo lo que significa, por el reconocimiento al laburo, y porque me da una plataforma muy grande para seguir.

—   ¿Por qué te habría parecido más esperable que Plan B ganara un premio así, en lugar de Ausente? ¿Por las diferencias genéricas entre ambas películas?

—   En realidad, era más bien una fantasía personal. Nosotros no presentamos Plan B en el Festival de Berlín, pero para mí era una película que podía entrar; hubiera sido una película rara, en su momento, porque es una película rara, dentro de lo que es el cine gay es una película muy independiente, con cosas muy extrañas. Si hubiera entrado en Berlín, ahí sí me habría parecido un poco más esperable que ganara. Pero es mejor que no la hayamos presentado, porque por ahí no pasaba; ésta vez fui sin ningún tipo de expectativas y terminó pasando. Eso está bueno, porque las expectativas te pueden terminar frustrando.

Plan A. Atacar los sentidos comunes

Con sólo 33 años, dos largometrajes y tres cortos, Marco Berger ya es reconocido por muchos críticos como una de las nuevas promesas del cine argentino, con filmes que, hasta el momento, se caracterizan por tener dos rasgos en común: haber hecho hincapié en la temática gay sin caer en estereotipos ni arquetipos, y haber recibido un notable reconocimiento internacional. Ausente, que había sido muy bien recibida en la edición del BAFICI de este año, relata la experiencia de un profesor de un colegio secundario (Carlos Echevarría) que se ve obligado a llevar a uno de sus alumnos (Javier De Pietro) a pasar la noche en su casa debido a la aparente ausencia de sus familiares, y que desconoce las verdaderas intenciones del joven. Teñida por un manto de misterio, suspenso y algo de erotismo, Ausente se diferencia de la ópera prima de Berger, Plan B, una comedia que relataba la historia de amor entre dos jóvenes inicialmente heterosexuales.

—     Tanto Ausente como Plan B están insertas en la temática gay, pero las construcciones de las historias son muy diferentes. ¿Cuánto condiciona la temática a tu trabajo a la hora de abordarla en las películas?

—     Ninguna de las dos películas podría funcionar sin la temática en el medio. En ninguno de los casos se trata de una historia con gays que podría funcionar igualmente como una historia hetero, porque el chiste de Plan B es que uno trata de robarle la novia al otro y se arma un triángulo pero con el foco puesto entre las personas del mismo sexo, y en Ausente es lo mismo, si el alumno fuera una chica, los personajes serían diferentes y tampoco tendría la misma película. Por eso la temática siempre funciona como un eje, pero nunca pretendí hacer “cine gay” ni mucho menos: yo sólo cuento historias. Por algo, en una película con una historia entre un hombre y una mujer, nadie dice que se trata de “cine heterosexual”.

—     En ese sentido, desde uno de tus primeros cortos, El reloj, hasta Ausente se ve una tendencia a abordar la “cuestión gay” a partir de la ruptura de estereotipos, con símbolos como el fútbol, por ejemplo.

—     Claro, porque está esa creencia de que el mundo gay es puramente femenino, sólo “la pluma”. Pero también hay un mundo de tapados, un mundo de casados de trampa, un mundo de pibes que juegan al fútbol o al rugby y que son gays. Hay un mundo gay enorme, y siempre se muestra el mismo lado, el del diseñador de interiores. Yo lo que intento es mostrar el lado que a mí me interesa: mostrar que ser gay no significa que uno, a simple vista, tenga por qué darse cuenta. La apariencia de la persona no necesariamente tiene que ver con su sexualidad. Me gusta jugar con eso, con los símbolos masculinos, y al mismo tiempo con lo gay.

—     ¿Creés que en el cine sigue habiendo una tendencia a focalizar en los estereotipos gay, o hay más rupturas?

—     Sigue habiendo una tendencia, en las comedias norteamericanas, sobre todo, pero cada vez menos. Por ejemplo, en la película de Ariel Winograd que se acaba de estrenar, Mi primera boda, la imagen de la mujer gay está puesta en un lugar muy femenino. Así que sí, todavía hay una tendencia, pero poco a poco se van rompiendo esos moldes, y hay gays no tan notorios.

—     De cualquier manera, quizás las figuras de la mujer gay y lo femenino está más naturalizado que el hombre gay con características masculinas, algo a lo que vos apuntás…

—     Es verdad, y sería bueno que se apuntara más a eso y que no sea solamente mostrar ese lugar desde la figura del “gay tapado”, porque sólo te muestra el dolor del ocultamiento constante. Estaría bueno que haya más historias donde eso no importe, pero se están haciendo, de a poco. Tal vez yo me adueñé un poco de una de las formas de hacerlo: mostrar los cuerpos, el bulto, los pelos, un mundo muy masculino. Hasta el léxico, que digan “chabón”, “eh, puto”. Lo que intento hacer es subrayar eso, más que nada el bulto como símbolo desde donde mostrar lo masculino. Me gusta mostrar al hombre como objeto de deseo.

Circulaciones ausentes

A pesar de haber recibido un importante reconocimiento, tanto a nivel nacional como internacional, Ausente sólo se proyecta, actualmente, en cuatro cines de todo el país. Mientras tanto, el resto de los cines del circuito comercial argentino dedican la mayoría de sus funciones a proyectar películas principalmente norteamericanas, distribuidas por grandes empresas estadounidenses. Esta situación se relaciona a la decisión comunicada hace dos semanas por el Instituto Nacional de Cines y Artes Audiovisuales (INCAA), sobre el establecimiento de nuevos arancelamientos para las películas extranjeras, particularmente las hollywoodenses, con el fin de intentar poner un límite a su distribución y así favorecer al cine nacional. Esta decisión fue bien recibida por algunos sectores de la industria cinematográfica argentina, pero otras voces, reproducidas en los medios de comunicación, criticaron el hecho de que, a su parecer, las distribuidoras norteamericanas harán las inversiones necesarias para que la distribución de sus películas sea la misma, lo cual hablaría de un panorama sin mayores cambios.

—     ¿Qué postura tenés respecto a los nuevos arancelamientos establecidos por el INCAA?

—     Hay un enojo medio raro con el INCAA, porque, en definitiva, va a haber más plata para el Instituto, y eso siempre es favorable. La gente se olvida de que este tipo de instituciones no existen en cualquier lugar del mundo. Tener algo así es espectacular, aunque opera como puede: es muy difícil manejarlo, leer guiones, saber si un proyecto de película puede funcionar o no… Es cierto que es difícil entrar, por ahí tu guión no lo entiende nadie, pero si sos bueno y el guión funciona, en algún momento vas a entrar, aunque el proceso sea difícil.

—     ¿Crees que es posible que el grueso de los productores y cineastas independientes puedan contar con las garantías necesarias para poder competir con los “grandes tanques”, o es una utopía?

—     Siempre va a ser difícil; lamentablemente siempre van a terminar habiendo algunos menos beneficiados que otros, y se van a formar círculos que reclamen más ayuda, y no está mal… Pero también hay una realidad, y es que siempre van a haber películas malas y películas buenas. Eso es algo difícil de regular; a mí mismo, como cineasta, me cuesta opinar sobre eso. Puede haber alguien que se empecine en filmar y que no sepa hacerlo, o también alguien que tenga mucho talento pero que no encuentre la forma de entrar en el sistema del INCAA después de 10 años. Es difícil, porque yo hablo desde mi experiencia; yo no tuve ningún tipo de ayuda del INCAA en nada, y sin embargo logré llamar la atención y que ahora ellos me puedan ayudar a mí. Yo también estuve mucho tiempo parado, con trabas para filmar, pero esas trabas fueron personales y no por el INCAA.

—     Pasaron cinco meses entre la exhibición de Ausente en el BAFICI y su estreno en el circuito interno. ¿Tuviste dificultades con la distribución?

—     No, al contrario, demoró bastante poco tiempo en estrenarse, para lo que es una película de cine independiente. Con Plan B había tardado un año y medio para estrenarla. Ahora me acomodé un poco mejor en el circuito. Plan B era una película muy barata, independiente de verdad, y quizás si no se encontraba con el público correcto en el BAFICI, y después en el mundo, podría haber pasado desapercibida. Era una película de amigos, hecha para divertirnos y ver qué pasaba con eso; Ausente no, está pensada mucho más desde lo cinematográfico, con más plata y más posibilidades.

—     ¿Creés que eso se refleja en la calidad técnica de la película?

—     Seguro. La gente dice: “hay un salto muy grande de Plan B a Ausente”. En realidad, no es que haya un salto muy grande, sino que esta vez pude filmar de verdad, mientras que con Plan B sólo tenía una cámara de video. Si al filmarla hubiese tenido la misma posibilidad económica y los mismos recursos que tuve para Ausente, seguramente habría sido una película mucho mejor filmada. A mí me encanta Plan B, pero reconozco que por momentos está esa sensación de que es una película hiper-independiente, sobre todo desde el lugar de la puesta de cámara. Aunque me parece una película muy fresca, en ocasiones podría tener mejor óptica, más profundidad de campo, mejores locaciones… pero era lo que había.

Plan C. Cine, y punto

—     ¿Cómo siguen tus proyectos después de Ausente?

—     Lo que viene ahora es Mariposa, mi tercer largometraje, que –si todo sale bien- la filmaré entre febrero y marzo del año que viene, y luego trabajaremos durante todo 2012 buscando fondos para poder terminarla y presentarla después.

—     ¿También estará inserta en la temática gay?

—     Esta vez no. Igualmente me gustaba la idea de jugar con el nombre, que tiene una cosa gay, y también hay un par de personajes que juegan un poco con esa cosa homoerótica.  Pero es una historia que no tiene una estructura armada sobre la temática gay. De hecho, pensaba filmar este guión después de Plan B, pero terminé filmado Ausente. Pero no porque haya decidido dejar de hacer películas gays ni nada por el estilo, aunque tampoco me interesó nunca ser un director de “cine gay”.

—     ¿No te gusta que puedan llegar a rotularte dentro de esa categoría?

—     Es que realmente no me interesa, porque igualmente me gusta jugar con lo gay, encontrarle formas. Por eso, más allá de que haya una historia de amor entre un hombre y una chica, también puede ser que le dé una mirada más homoerótica.

—     De cualquier manera, la masculinidad está presente, como pasa en Plan B y Ausente.

Sí, porque me interesa mucho lo masculino, así que eso va a estar siempre presente. Pero también depende de lo que pase por mi cabeza en un determinado momento. Hoy tengo muchas ideas en la cabeza, la mayoría de temática gay, pero porque es lo que más me interesa, siempre buscándole la vuelta para que no sea sólo una película gay: tocar el tema pero sin que sea lo más importante de la historia. Pero esas son las ideas que tengo hoy; andá a saber si son las mismas dentro de diez años. ¡Andá a saber si en diez años sigo filmando! Espero que sí.

Estos dos últimos factores tuvieron consecuencias, digamos, desprolijas. El furor de los estudios por el 3D (y los aumentos de precios en las entradas que venían con el mismo) provocó que montones de films que todavía no habían sido estrenados pasaran por el laboratorio para ser transformados en posproducción (dejando resultados que dejan mucho que desear). Pero también, de a poco comenzó la reconversión de películas clásicas que hacía décadas que no se podían ver en la pantalla grande. Hace unos días mencionábamos el caso de la saga de Star Wars, hoy profundizamos en uno que ya está en cartel: El Rey León.

Una cuestión puntual: ¿hacía falta reconvertir al The Lion King a la tercera dimensión? No, definitivamente no. Pero partiendo de eso, no podemos hacer otra cosa que agradecer esta idea, ya  que nos permitió ver nuevamente (y a muchos por primera vez) esta maravilla en la pantalla grande.

El Rey León es una obra maestra en todo sentido. Visual, argumental, musical y cinematográficamente. Y esto viene de un tipo al que no le suelen gustar demasiado los productos de Disney. Pero esta película trasciende cualquier debate sobre guiones afanados o personajes polarizadamente estructurados: el film es un espectáculo imperdible, que divierte y emociona en dosis abrumadoras, que fácilmente puede competir por el premio al mejor film animado de todos los tiempos.

Por eso, sepan todos aquellos detractores que si no hubiera sido por la épica de James Cameron no hubiéramos podido disfrutar nuevamente a Simba y a Mufasa en el tamaño que corresponde.

En sí, la adaptación en 3D es intrascendental, o por lo menos no está a la altura de competir con la experiencia de ver el film en sí. Si uno se detuviera en analizarla, podría decir que es un poco desprolija: en algunos momentos está muy muy cuidada (sobre todo en el principio y el final de la peli) y en otros parece haber sido hecha más a las apuradas (al mejor estilo Furia de Titanes). Pero el caso es que importa más el hecho de estar viendo El Rey León, que el hecho de estar viendo El Rey León con los anteojitos calzados. Quizás hubiera sido mejor si hubiera llegado directamente en 2D, como ocurrió con Volver al Futuro o Top Gun este año; pero si vino así, no podemos hacer otra cosa que rendirnos a los pies de la industria y agradecer, nosotros, oh simples mortales, por haber tenido la experiencia de revivir el Hakuna Matata en el cine.

Ahora bien, cuando vuelvan a esta página en un par de años, y encuentren la reseña del restreno en 3D del Imperio Contraataca, sepan que en ningún lado hay un contrato que establezca que las publicaciones en el sitio tengan que mantener un nivel de coherencia y uniformidad

Más allá de que el poster en si parezca barato, el esfuerzo por ocultar a dos de los protagonistas de la película es sobre todo interesante. Y si tomamos en cuenta que el Yoda que aparece es la versión digital (superpuesta al títere original que manejó Frank Oz – que por esas cosas de la vida, era más berreta que el original original del Imperio Contraataca) en una de esas La Amenaza Fantasma en 3D nos trae a Jake Lloyd remplazado por algún otro actor. Yo voto por Chloe Moretz, creo que la rompería.

El estreno de la primera reconversión a 3D de la saga está programado para el 10 de febrero de 2012 en Estados Unidos

Estas sensaciones son las que trasmite Terrence Malick, a través de la historia de Jack y su familia en The Tree of Life. Con 38 años de carrera y 5 películas en su haber, este director se toma todo el tiempo del mundo para pensar las cosas. Lástima que solo él las entienda.

Una tenue luz anaranjada en el centro de la oscuridad.

– Hermano… hermano – una voz masculina susurra, todavía en el negro total.

Acto seguido, una muchacha de rizos colorados relata con una dulzura angelical, mientras los planos no paran de girar y girar, lo siguiente:

– El hombre tiene ciertas formas de pasar por la vida. La de la naturaleza o la de la gracia. Hay que elegir cual seguir. La gracia no intenta autosatisfacerse, acepta que la dejen de lado, que la olviden, que la rechacen. Tolera insultos y heridas. La naturaleza, solo quiere complacerse. Mientras, agota a los demás manejándose con prepotencia. Tiene sus propias formas. Encuentra razones para ser infeliz, aún cuando todo brilla a su alrededor, cuando el amor sonríe a través de todas las cosas. Nos enseñan que quien amé la vida de la gracia no podrá tener un final feliz.

En estos 3 minutos y pico de comienzo de peli, Malick trata de resumir un relato más que laberintico acerca de un drama familiar, un hijo rebelde, un padre duro y severo y una madre dulce y pasiva.

El árbol de la vida se estrena hoy en los cines argentinos. Con la última Palma de Oro a cuestas, la peli promete y promete, y a 6 años de su antecesor (The New World) la expectativa es notable. El descontento, también.

Básicamente nos encontramos con una puesta en escena monumental. Con 5 montajistas (sí, cinco). Así que a nivel estético, la cosa está más que lograda. Unos planos loquísimos en contrapicado y con una profundidad terrible, la cámara que te marea de cómo gira y unas secuencias desarrolladas por animación computada que de una belleza destacable. Pero aquí radica el problema.

Una familia en la década del ‘50, padres y tres hermanos que rondan los 7 y 12 años. En la actualidad un cuarentón (los números no cierran) arquitecto, aparentemente el más grande de estos hermanos. El cual interpreta Sean Penn. Trabaja en un lindo rascacielos con un gran árbol en su entrada. Volviendo al pasado, en esas casas de antes de los barrios residenciales yankies, con enormes jardines –frontales y traseros- el padre (Brad Pitt) y la madre (Jessica Chastain) se enteran que su hijo, aparentemente el del medio, ahora de 19 años, ha fallecido en una guerra (se presume Vietman). El tema de la duda está súper presente, como podrá notarse.

Todos lloran la muerte, pero quien la siente más es Jack, el mayor. Que hasta la fecha lo sigue recordando. Él se parece más a su padre. Un tipo de la naturaleza, hecho y derecho. Que acosaba a sus hijos para sacar el mayor provecho de ellos. Recto y decidido. Su hermano, era la gracia, su madre. La sensibilidad, el amor, la caricia y la entrega. Muere defiendo a los suyos (se presume).

Eso es todo. En el medio LA reflexión. La pregunta por el ser, la muerte, la vida y la fe. Allí, nuevamente, radica el problema. La historia podría haberse contado en pocos minutos. Sin embargo el relato se extiende a las dos horas y veinte minutos ¿Qué es lo que pasa? Pasa, que en el diome nos meten 2 capítulos de la serie Cosmos. Escenas y secuencias enteras que representan esa contraposición entra lo natural y lo sensible. En unos 20 minutos nos presentan el inicio de la Vida. Pasando por el Big Bang a la extinción de los dinosaurios. La descripción y el comentario se hacen cargo de la narración, haciéndonos perder en un mar de significaciones.

 Aristóteles alguna vez habría dicho que hay hombres que existen por la naturaleza y otros que lo hacen por otras causas. Por la primera existen los animales y sus partes, por ejemplo. Y por el otro, aquellos que están constituidos de manera artificial: una cama, una mesa. Así la naturaleza es un principio y causa del movimiento, y el reposo sería su opuesto. La gracia, eso es la peli. Por este motivo, no tiene un final feliz. Y a su vez, la gracia es una de las cualidades de las que adolece.

- Che ¿viste Damas en Guerra?, pregunta el primero de los sujetos. A lo que el segundo responde:

- Nah, la verdad que no me interesa demasiado.

- Entonces, escribo algo yo sobre el tema.

- Ok, no hay drama.

24 horas, tras 24 horas, dicho artículo no se publica. Siendo viernes, el segundo de los personajes decide tomar la posta y completar el deseo del primero.

Presúmase, entonces, que charlemos un rato sobre una peli que se estrenó ayer, la cual pretende ser la apuesta más fuerte de esta semana: Bridemaids.

Comedia romántica. Producida por Judd Apatow. Protagonizada por Kristen Wiig y Maya Rudolph. Típica película en la que poquísimo importa el director y cuya relevancia es casi nula. Pobre Paul Feig, director de muchísimas series de comedia o similares (Weeds, The Office, Nurse Jackie, Arested Development, etc.) quien queda eclipsado por un Apatow, como el hombre tras las sombras, y las muchachas de SNL como núcleo y cara reconocible de Damas en Guerra.

Una historia de amigas. La rubia: una looser total, con problemas sentimentales y financieros; la morocha: su compa de toda la vida que pronto va a casarse y que, lógicamente, tiene un mejor pasar. En el medio: la tercera en discordia, quien pretende la amistad de la segunda. Los celos, la locura, la depresión y el egoísmo invaden el escenario.

Otra vez el casamiento. Frente a la creciente desvalorización del matrimonio como institución y en contraposición a pelis como Friends with Benefits o No Strings Atacched, se nos presenta a la “versión femenina” de The Hangover. ¡¡¡Atenti!!! Si han leído esto, y su motivación para per el film es la anterior, olvídenlo. No tiene nada que ver con las desventuras de aquellos tres hombres en la despedida de soltero de su amigo. Es más, las Damas en Guerra intentan viajar a Las Vegas, pero infructuosamente. Sus desventuras no son grupales. Y el casamiento pasa a un segundo plano, donde lo realmente importante es el bajón anímico y recuperación del carácter que interpreta Kristen Wigg, o sea: Annie

Dos horas y cinco minutos. Eso sí que es bastante tiempo para una comedia. Y a la vez bastante poco para la cantidad de cosas y personajes que presentan y tratan. Por ejemplo: el fuck buddy de Annie, el poli con el que coquetea, sus dos nefastos-geniales-ingleses roommates, su madre, su ex laburo y vocación, su infancia junto a su antigua amiga y las damas de honor, sus nuevas amigas. Sobre estas últimas vale destacar la genial actuación de Melissa McCarthy, quien recientemente ganó un EMI como mejor actriz de comedia por su rol en Mike & Molly (una serie sobre gordos, ¡sí! esa es la premisa). Un personaje que le otorga un toque de color bizarro a la peli y que, dicho sea de paso, se la lleva por delante.

El tipo de humor es bastante compacto y compartimentado. Secuencias enteras de gags y luego desarrollo de la historia. Escenas como la del discurso en la fiesta de compromiso son bastante irritables, pero otras como la del avión están más que bien logradas. Un detalle digno de elogio es la escenita de Annie viendo Naúfrago (Cast Away) en el momento que Wilson se despide de Tom Hanks, dándose a la mar, y este último lo llora, al mismo tiempo que la protagonista de la peli.

Simple y redonda, quizás un poco extensa, Braidmais busca retratar de la manera más cómica posible una cierta realidad. La de los jóvenes treintañeros, y en especial las mujeres, donde los problemas financieros, sentimentales y de identidad son notables. Donde, también, es valioso destacar la enorme cantidad de desventuras e infortunios por los que transita Annie, llegando a rozar casi el borde de la inverosimilitud. Pierde su trabajo, consigue otro mal pago y también la echan, sale con un cerdo, y cuando encuentra un tipo decente logra alejarlo, se pelea con su única amiga y la obligan a volver a vivir con su madre. Sin embargo, como en toda comedia romántica, el final nos obliga a salir del pozo. Con un poquito de ayuda de sus amigas, levanta cabeza, consigue al galán y todo vuelve a encausarse.