Según Wikipedia “un video musical es un cortometraje realizado principalmente para su difusión en video y televisión, que ofrece una representación visual de una canción.” Desde sus inicios estos metrajes fueron considerados productos de baja calidad, por ser entendidos como agentes de un género inferior. Y aunque algunos los idearon como los herederos del montaje del cine soviético (pongámosle  descendientes de Potemkin o Eisenstein) los videoclips siempre han mantenido una relación de semejanza/distanciamiento/dependencia con la cinematografía.

Muchos son los casos de directores que provenientes del universo MTV llegaron a la gran pantalla (y a los que no les fue tan mal en el proceso). Ejemplos de esto pueden ser: Michel Gondry, Spike Jonze, Anton Corbijn, Jonathan Glazer o David Fincher. Pero muchas veces son desconocidos quienes transitan el camino inverso, y de vez en cuando se dan el “lujo” de bajar del panteón. Veamos, entonces, una pequeña selección de videos musicales a modo ilustrativo.

Thriller – Michael Jackson (1982)

Él corto, del disco homónimo, que cambio la historia de los videoclips. John Landis, responsable de Los Blues Brothers y Tres Amigos, entre otras películas y series de  televisión, es quien llevó a cabo esta joya.

Dancing in the Dark – Bruce Springsteen (1984)

Say hello to my little friend: Brian DePalma. Un recital simulado con una, para ese entonces, desconocida Courney Cox y un balarín asesino llamado Bruce Springsteen.

Bad – Michael Jackson (1987)

Otro de Miguelito, también de disco homónimo. Dirigido por uno de los pocos tipos que gusta y entiende a la perfección la combinación cine-música: Martin Scorsese.

Reach – Martini Ranch (1988)

Ésta es una perla. De la banda no conozco nada. Pero el video lo dirige James Cameron. Suficiente.

I Touch Myself – Divinyls (1990)

Michael Bay. Sí, Don “exploto lo que encuentro” Bay. El muchacho tiene una extensa carrera en este ámbito, aunque esta canción lo pinta bastante bien. Ya que el 90% de las imágenes que crea en sus pelis son 100% pajerisantes  y exuberantes.

Under the Bridge – The Red Hot Chili Peppers (1991)

Gus Van Sant, otro que tiene muchos videos en su haber y pelís como Good Will Hunting, Paranoid Park, Milk y, lamentablemente, la remake de Psycho.

Gangsta’s Paradise – Coolio (1995)

Antes de dirigir Training Day, King Arthur, Shooter o The Replacement Killers, Antoine Fuqua agarró a Michelle Pfeiffer y pasó un ratito por el rap.

Scream! – Misfits (1999)

George Romero y el zombi-punk.

I Just Don’t Know What To Do With Myself – The White Stripes (2003)

La hija de Francis Ford, agarra a Kate Moss y la pone a stripdancear. A partir de una tema de Burt Bacharach y Hal David (del 62’), Jack y Meggan White hacen esta excelente versión, que Sofía Coppola termina de redondear.

Bones – The Killers (2006)

Para el final, una linda banda, de su disco Sam’s Towm y Tim Burton (sin Johnny Deep) tras las cámaras.

Su primer single es justamente uno de los no tan vinculados a lo espacial: el cover de Bohemian Rhapsody, en una de las versiones más extrañas y maravillosas que se hayan grabado alguna vez del tema de Queen.

Para suplir la falta de estrellas y asteroides, el video correspondiente es nos trae a la cara enorme de Shatner cantando desde el cielo y haciendo colisionar constelaciones y universos. Algo sencillamente imperdible.

El disco contiene además una nueva versión del clásico de Elton John Rocket Man, que ya supo ser un hito en la carrera musical del actor. Se le suman Space Oddity de Bowie, Iron Man de Black Sabbath, Mr. Spaceman de The Byrds (tengo que escuchar eso ya!!!!!) y muchos más.

1. Major Tom (Coming Home) (Peter Schilling)
2. Space Oddity (David Bowie)
3. In a Little While (U2)
4. Space Cowboy (Steve Miller Band)
5. Space Truckin’ (Deep Purple)
6. Rocket Man (Elton John) (previously performed by Shatner in 1978)
7. She Blinded Me with Science (Thomas Dolby)
8. Walking on the Moon (The Police)
9. Spirit in the Sky (Norman Greenbaum)
10. Bohemian Rhapsody (Queen)
11. Silver Machine (Hawkwind)
12. Mrs. Major Tom (K.I.A.)
13. Empty Glass (The Tea Party)
14. Lost in the Stars (Frank Sinatra)
15. Learning to Fly (Pink Floyd)
16. Mr. Spaceman (The Byrds)
17. Twilight Zone (Golden Earring)
18. Struggle (Shatner/Hamilton)
19. Iron Man (Black Sabbath)
20. Planet Earth (Duran Duran)

Entre los invitados especiales aparecen Sheryl Crow, Ritchie Blackmore, Alan Parsons, Peter Frampton, Zakk Wylde y Johnny Winter. Esto promete ser imperdible en serio.

Finalmente, logro entrar. Sin embargo, mi epopeya no culmina con esta proeza. Preciso encontrar a un anteojudo medio colorado y medio pelado también. Obviamente, los teléfonos móviles dejan de funcionar cuando semejante multitud pretende usarlos en un radio de 200 metros al a redonda (dato no menor, que debiera tenerse en cuenta frente a posible invasión alienígena). Para colmo de males, Guasones está tocando – por suerte – sus últimos dos temas. Gracias a la divina providencia identifico a mi acompañante. Me ubico en mi asiento, mientras un cocacolero me empuja y pisotea un rato. La banda soporte se retira del escenario y los plomos comienzan a organizar todo para la principal.

2110 horas. Las luces se apagan. Clapton aparece en escena. Con muchas ganas pretendo pensar que arrancará su show con Bad Love, pero no fui atinado. El músico inglés de 66 años camina lentamente al centro del modesto escenario en el que se para y comienza a tocar su guitarra  siguiendo los doce compases del blues. Lo acompaña un grupo pequeño: bata, bajo, teclado y piano, y dos coristas.

- I’ve got the key to the highway. Billed out and bound to go. – canta don Eric mientras toca su Stratocaster celeste.

De esta manera comienza, lo que sería una suerte de declaración de principios. 16 temas después, y casi dos horas de recital, indicaron que el tipo vino a tocar blues. Contradictoriamente, o no,  se olvidó de su último disco (Clapton -2011- ), a excepción de un tema: When Somebody Thinks You’re Wonderful, y se la pasó tocando sus clásicos de siempre del blues y sus más afanados hits (menos Bad Love, lastima).

Alguna vez Joe Perry, de Aerosmith, escribió una canción intitulada Let the Music do the Talking. Clapton adhiere 100% a esta teoría. Exceptuando un “good night” al inicio del show o un entusiasta “thank you” al finalizar cada tema, Eric se mantuvo callado. Este año lanzó un DVD en vivo: Play the Blues Live from Jazz at Lincoln Center, con Wynton Marsalis, en el cual realiza un set super New Orleans. Allí, antes de presentar Layla, se mandó un discursito donde indicó claramente su descontento a la hora de interactuar con el público. Él prefiere tocar su guitarra. Y lo hizo de manera excepcional con una banda en igual nivel.

Armado más para un teatro que para un estadio como el de River, el grupo que acompañó a Clapton contó con Willie Weeks en bajo (un afroamericano confundible con el legendario: Nathan East), en batería Steve Gadd, teclados Tim Carmon, Chris Stainton en piano y dos hermosas coristas: Michelle John y Sharon White ¿Qué es lo rescatable de estos muchachos? Que cada uno en su lugar la rompió. Con temas que no bajaban en su duración de los 5 minutos, cada uno se lució en solos interminables. Un pianista que no dejaba espacio sin rellenar, dando unas 15 notas por compas, más o menos. El bajo y la batería que fueron un reloj suizo, y las coritas que metían miedo cuando cantaban: “I shot the sheriff, but I didn’t shot the deputy”, alcanzando a unos agudos impensables. Aunque, también, destacándose por sobre el resto, las locuras del pseudo Minimoog que tocaba Carmon.Key to the Highway, Hoochie Coochie Man, Tell the Truth, un set acústico con Driting y Nobody Knows You When You’re Down And Out, un Layla marchoso, Wonderful Tonight (sin JAF, otra lastima), Before You Accuse Me, Little Queen Of Spades (en el que mi compañero lloró), Cocaine y Crossroads. Demasiadas emociones juntas, y eso que no es la lista completa ¿Qué fue lo mejor de la noche, entonces? A mi entender: Old Love. Cuarto tema y entré en transé. Simplemente la piel de gallina, los pelos de punta. Esa tensión contenida, ese: “perra me arruinaste la vida, pero aún te quiero”. Eso, es lo que demostró Clapton, dando una clase de cómo tocar la guitarra. Con una terrible furia contenida, pero a la vez con claridad absoluta. Sabiendo que es lo que tiene que hacer, después de haber tocado el mismo tema 800 millones de veces, pero dejándose llevar y dándole un toque diferente y único. Donde los solos ya desde la versión original -la de estudio- eran importantes, y en donde los cuales dividian al tema en dos claras secciones. Quienes recuerden el Unplugged largarán un lagrimón al rememorar lo que hizo allí Chuck Leavell. Pero aquí el tecladista (Tim Carmon) no se quedó atrás y se mandó una fumata importante de delirio artístico, doblándole la apuesta al propio Clapton.

En resumen, fue una noche redonda. Tranquila. Sin pogo en River. Pero con mucha emoción,  sentimiento y personalidad. Es decir: con mucho blues.

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El día 27 de septiembre, acudí junto a Franca a una jornada del Pepsi Music 2011 cuya atracción principal era la presentación de la cantante norteamericana Katy Perry. Como el ya relató en su reseña del show principal, la fecha festivalera distaba de lo que se puede considerar nuestro target, pero ello para nada le quitaba interés a la empresa que nos ofrecía la posibilidad de escuchar música al aire libre en un día de semana. Y eso, nos entusiasmaba.

Y además no pagamos entrada. Shana Tova.

El evento se realizó en GEBA, un lugar al que ninguno de los dos había tenido la oportunidad de concurrir antes. Si bien es bastante más pequeño que algunos de los lugares elegidos para festivales a los que hemos asisitido en otras oportunidades, debo decir que se ofrece como una alternativa bastante interesante para la realización de este tipo de eventos en el contexto que hoy nos invade. Esto es ,el de un Macri insoportable, viejas rompe bolas, y un Scioli encajándote el estadio de La Plata por donde no te entra.

El club cuenta con una pequeña cancha de basket al aire libre en la entrada, en donde se armó el llamado escenario 3, protagonizado por bandas más pequeñas, ganadoras en su gran mayoría de un concurso armado por la organización del evento.

A su vez, pegado a este sector, se encuentra el ingreso a un estadio también descubierto y  bastante mas grande, en el que se armaron el escenario principal y el escenario secundario. En este último, tocó la primera de las bandas que llegamos a ver.

Infierno 18 arrancó su show a eso de las 17: 50 pretendiendo darle una impronta “pop punk” al asunto, que resultó siendo más bien un “pink punk”. Recuerdo haber presenciado algunos shows de esta banda hace unos años atrás, cuando eran prácticamente unos niños y hacían sus primeras armas en la escena.  Puntualmente me acuerdo de haberlos visto en aquel glorioso Quilmes Rock del 2003 (Fecha de Die Toten Hosen y Attaque conjunta) que inauguró la nueva etapa de festivales capitalinos y de algunos shows playeros en el 2005, donde incluso me regalaron uno de sus discos, “Efecto Secundario”.  Aquel que tenía temas como “Chiko antisocial”, “Paren de Matar” y “Prueben que bueno es el Señor”. Pero recuerdo que de ese disco, en particular, me causaba simpatía la canción “Una Historia Normal”, que en su letra decía cosas como “Las chicas lo invitan a bailar esa mierda de cumbia, ellas no entienden nada de lo que a el le gusta” o “El no usa entupidos peinados, ni tampoco se viste con tapados, a el le gusta el punk rock”. Que prosa Soldán!.

Después les perdí la pista, y ayer tuve la oportunidad de topármelos de nuevo un lustro después.

Y lo cierto es que desbarrancaron. Y no es porque ahora sus shows sean más melosos que los de Airbag.  Sino porque el bajista nos hinchó las pelotas durante el transcurso del set de una manera que creíamos insuperable (luego llegaría el DJ Skate Scott o algo asi). La insoportable pose soberbia de este sujeto, solo era superada por su caradurez. Vestido con un chupín con cortes en las rodillas, y calzándose un bajo rosa, no paró de provocar a la gente que no se acercaba a ver el show al grito de “putos”.  Acto seguido la banda entonaba temas que melódicamente eran una copia grasa de Blink con un contenido desde la lírica digna de un Luis Miguel con sobredosis de anfetaminas por lo berreta y de dulce de leche por lo meloso.

Luego vendría el bajo rosa y el resto de la pose.

A continuación hizo su presentación en el escenario principal Deborah Del Corral. Vimos el show por arriba, pero fue una cosa bastante prolija. Franca estaba bastante insoportable porque le pegó la melancolía por lo que el sentía una reminiscencia a sus épocas de Montaña Rusa (Franca era gay de niño). Horas después y ya en la vuelta, Eka, autora del polémico artículo sobre True Blood, le haría notar que nada tenia que ver la cantante con aquel ciclo televisivo, por lo que se le pasó un poco el furor.

Igualmente, la artista no fue merecedora de ninguno de los bardeos inmaduros que solemos regalar en este espacio.

La siguiente banda en aparecer a escena y ya de vuelta en el Escenario 2 fue Virgin Pancakes. Esta, tiene la peculiaridad de ser encabezada por una de las ex Bandana, ya 10 años después de ese furor que saturó a los redactores de esta página en la época del secundario. Lo único que habíamos escuchado de “Virginia”, es que había migrado al punk californiano abandonando todo parecido con su banda inicial.

Nada que ver por lo menos con lo ofrecido ayer, que giró en la órbita de lo “electro”. O algo asi.

El atuendo elegido por la cantante tiró por la borda toda atención que uno podría prestarle a la música ofrecida,y también acabó con cualquier evocación inocente a la bandanesca era. Si, hay que decir, desde el desconocimiento total de la escena de aquel día, que esta banda generó una considerable atención entre el público, lo cual debe tener su mérito ya que la prioridad imperante en el grueso de los asistentes se centraba en asegurarse un buen lugar para ver a Katy Perry.

giggity giggity

La jornada también ofreció sets que en lo particular no nos atraparon demasiado y escuchamos muy de fondo mientras nos quejábamos por el precio de los hamburguesas como es el caso de “No Lo Soporto”, “Fidel” y de “Natalia Kills”. Esta última, artista internacional que la gente celebró y a nosotros nos dejó incrédulos por lo aburrido que nos pareció lo poco que vimos y por la ignorancia de no saber quien corno era. Esto último, el desconocer un artista internacional que encabeza uno de los turnos de prime time de un festival, es algo prácticamente imperdonable para el burgués virtual moderno y deberá ser corregido para otra oportunidad.

Una línea aparte, y siempre manteniendo el espíritu de objetividad que adorna este artículo, merece Flavio, de quien huimos desesperadamente cuando comenzó a tocar para ir a sentarnos a un banquito a observar durante varios minutos una cancha de tenis vacía, la cual preferimos sin dudar.

En síntesis, fue una jornada donde tuvimos la oportunidad de merodear una escena a la cual no estamos acostumbrados, pero que nos permitió conocer un nuevo lugar para nosotros a la hora de hablar de recitales. Algo peculiar de GEBA es que se puede ver al tren pasar de fondo por detrás de los escenarios, eso no me pregunten por que, me parece que está bueno.

Y por sobre todas las cosas,  vimos música un martes y eso nos pareció copado.

No, no quiero recaer en la artificialidad de decir “hizo un repaso de sus hits” y cosas así. Mucha gente, por más que esté en la misma situación de ignorancia pop en la que me encuentro, lo va a hacer mejor. Por eso me veo obligado a cambiar de recurso, incurriendo en lo que podría acercarse más a una observación participante, aunque desconozco cuáles serán los resultados.

Podría comenzar estableciendo que El Pedro y yo estuvimos en la fecha del Pepsi Music menos El Pedro y yo. Más allá de que mi compañero quizás se pudo vincular con alguna banda punky que tenía escuhada (su experiencias serán volcadas en un artículo el día de mañana), la sensación general de este staff era de pura desubicación. No sabíamos dónde estábamos, so sabíamos a quién escuchábamos. Lo único que sabíamos es que estábamos rodeados de quinceañeras.  Y más allá de cualquier fetiche producto del imaginario masculino, hay un problema: las quinceañeras gritan. Gritan mucho.

Habiendo pasado por varios recitales en mi vida, he presenciado y participado en diferentes rituales del vivo: he saltado, cantado y gritado, he golpeado a gente en medio de un pogo, he perdido zapatillas, las he vuelto a encontrar, he tenido la cara pintada como Gene Simmons, me he sumergido en mareas humanas moviéndose de formas misteriosas, y he visto a varios desubicados tirar botellas a los artistas, he aplaudido a algunos de ellos. Pero nunca tuve la oportunidad de ver en vivo a 10mil adolescentes gritar al unísono en frecuencias inimaginables.

Y gritaban solo por la estrella de la noche.

Cuando las 21:15 auguraban el comienzo del show de Katy Perry (y  la puntualidad  del festival lo parecía confirmar) aparece en escena un DJ que se hace llamar Skeet Skeet. El individuo, de origen californiano según sus propias declaraciones, comenzó a agitar al público. Pero lo que parecía ser una presentación de la cantante derivó en un set de unos 35 minutos con música de bandeja. Ahora bien, el prejuicio que me llevó a suponer que DJ Skeet Skeet era un mero maestro de ceremonias fue origen de mi sorpresa al ver que el público aparentemente no se sentía estafado al ver que un chabón se comía más de media hora de un recital, pasando música grabada. Las adolescentes gritaban igual.

El preámbulo fue fastidioso para todo aquél que esperaba ver mujeres bailando con ropa sexy, pero luego de un interminable remix del tema de Dirty Dancing por los Black Eyed Peas, y otro de alguien llamado Adele, que supuestamente mucha gente conocía, el vestido azul de Katy Perry apareció en una plataforma elevado sobre el escenario y comenzó el furor en serio.

La psicodelia de dulcería que se presentaba como entorno escenográfico sentó el contexto propicio (y supongo sumamente estudiado) para el coqueteo de la artista. Constantemente Katy Perry juega con la tensión entre la inocencia y la transgresión: el rostro angelical y los modos aniñados provocan un extraño contraste cuando el perfil pasa a ser más de pin-up. El espectáculo no deja de aparecérseme como opuesto al barroco glam de Lady Ga Ga. La autora de Poker Face es violentamente directa, se impone en el escenario corporal y estéticamente; Katy Perry no, ella provoca, juega una suerte de tira-y-da, básicamente es una histérica.

La construcción del personaje deviene en efectiva. Más allá de tener encima una puesta en escena muy cuidada, con una importante impronta de lo teatral, la artista vende la necesaria dosis de rebeldía (una rebeldía políticamente correcta podríamos decir) como para comprar a la masa de quinceañeras gritonas. Y ta bastante buena como para comprarnos a nosotros.

El show fue corto para lo esperado en una visita internacional (poco más de una hora, sin contar el tiempo que se comió el DJ) aunque el público no pareció verse demasiado afectado por eso.  Las 15 mil personas que acudieron al estadio de GEBA vibraron y sacudieron pelucas azules disfrutando cada uno de los temas que entraron en la setlist reducida. Los picos de griterío cuando Perry abusaba del típico discurso demagógico del que peca la mayoría de artistas extranjeros no hacían más que dejarnos un poco asustados. Éramos dos tipos, uno con una remera de Batman y el otro con una de los Kinks, atemorizados por una horda de adolescentes saltando a nuestro alrededor. Pero aun así no le escapamos al suceso: sabíamos que teníamos una responsabilidad para con este espacio, pero no puedo negar que el hecho de que haya sido un espectáculo entretenido colaboró con nuestro valor. Aparte, la cuestión de que estábamos lo suficientemente lejos como para imaginarnos a Zooey Deschanel cantando en cada uno de esos vestiditos tampoco jugó en contra, no no.

Fotos: Rock and Pop y La Voz

Mojo es el 12 álbum de Tom Petty Heartbreakers y se constituye como una especie de síntesis de los géneros populares de la música norteamericana y sale airoso en una apuesta que varios otros intentaron, pero que a  pocos les salió realmente bien.

Tom Petty parece haber basado su carrera en los estándares del classic rock y, salvo su participación en Travelling Willburys, la súper banda (y utilizo este término sólo para molestar a uno de por acá) que duró apenas dos discos completada por Roy Orbinson, George Harrison, Jeff Lynne y Bob Dylan, allá a fines de los 80, mientras George grababa Cloud Nine,  y un bolo en el rock camp de Homero Simpson, la carrera de Petty no tuvo highlights inmensos y no estaríamos escribiendo estas líneas, muy seguramente.

Ahora bien ¿Qué sucede cuando,  aquello que ya todos conocemos vuelve en forma de nuevas canciones ejecutadas con maestría? ¿Qué ocurre si en esas composiciones uno puede rastrear “genéticamente” lo mejor de los 50-60 y 70? La respuesta es: un disco como  Mojo.   El disco es claramente conceptual y esto va desde la acertada elección de su título hasta la estética de la gráfica (predominio de rojos, negros, blancos y grises, en plan mafioso/casino) y la instrumentación súper cool y vintage que se puede apreciar en los videos ad hoc que han lanzado a modo de difusión. Sus temas parecen una síntesis de las tres primeras décadas del rock pero también se acerca bastante a un manual de música popular norteamericana: encontraremos blues, folk, rock rutero, baladas, jazz, hard rock y demases. No me atrevo a compararlo con una obra del tipo Exile on Main Street, ya que perdería por goleada,  pero algo de aquella mística hay. La lista abre con  Jefferson Jericho Blues,  que marca el recorrido del disco con la guía que ofrece la armónica.  Luego le sigue una canción más progresiva y lánguida con algunos tintes jazzeros llamada First Flash of Freedom. Más adelante nos encontraremos con Candy, un rock bien mid west ideal para escuchar bebiendo cerveza y comiendo unas ribs con salsa barbacoa, mientras marcamos el pulso vistiendo nuestras botas tejanas y, probablemente, nuestro pin del elefantito del Partido Republicano(?).

A la mitad de la obra, aparece el tema que seguramente más recordaremos y el que motivó el armado de estas líneas: I should have known it. Si en los párrafos anteriores planteábamos a Mojo como un enorme guiño a los grandes géneros,  este tema en particular es un homenaje al hard rock ya que tiene todos los elementos necesarios: una letra simple acerca del despecho femenino; un riff duro sostenido por unas bases aún más duras; una Gibson SG bordó y negra  ejecutada por un tipo que físicamente se parece a Maikel de Kapanga pero que toca emulando a Jimmy Page -con  tremendos arreglos de slide incluidos-, la voz chillona de Tom  y espacio para una jam que se intensifica hacia el final.  Don´t pull me over llega en forma de reggae con algún elemento psicodelico (no, no me refiero al consumo de estupefacientes sino a la instrumentación). También hay lugar para el southern blues en  US 41 ; el rock mid tempo “a lo Clapton” pero con más onda  y menos pirotecnia, como el caso de  High in the morning” y el blues apoyado en el hammond con base símil Green Onions,  Let. Yourself Go . Cierra el disco Good Enough, una power ballad con tintes épicos que nos recuerda a los últimos Beatles.

El resultado es un disco homogéneo con varios puntos altos y una banda afiladísima comandada por Petty que, con instinto blusero, recorre una especie de Ruta 66 de quince temas: dan ganas de subirse al Cadillac descapotable y dejarse llevar por el paisaje.

Dos semanas atrás presentaba a Freelance Waves prometiendo continuar introduciendo algunos artistas que descubrí vía el Newport Folk Festival. Hoy continúo con lo prometido y paso a recomendar el álbum debut de este conjunto al que me molesta tanto etiquetar en esa categoría.

Primer problema. De acuerdo al diccionario Merriam-Webster, un supergrupo (del inglés, supergroup) es un grupo de rock formado por miembros destacados de otros grupos de rock. Cuando el termino surge en los 60 para catalogar a bandas como Cream, Blind Faith o Crosby, Stills, Nash & Young, uno más o menos entiende a qué viene la cosa. Cuando hoy uno se acerca a una banda a partir de esta expectativa, y se encuentra que está formada por miembros de Dawes (¿?), Deer Tick (¿¿??) y Delta Spirit (¿¿¿???), la cuestión de marketing puede ser contraproducente.

Pero esto no es lo que más le juega en contra a Middle Brother.

Segundo Problema. El sentido común lleva a imaginar el resultado de algo titulado súper como grandioso, espectacular, grandilocuente por lo menos. Y este conjunto no tiene nada de eso. Middle Brother no es un supergrupo, es un conjunto de amigos que se juntaron a tocar la guitarra y a cantar un rato, y eso es lo que lo hace destacable.

Matt Vasquez, John McCauley y Taylor Goldsmith, frontmen de las bandas mencionadas arriba se juntaron en este side-proyect, brevemente nombrado como MG&V, en 2009 y tuvieron su primer presentación en la edición 2010 del festival de cine independiente South By Southwest. El 20 de diciembre del mismo año tocaron el Troubador de Los Angeles por primera vez bajo el nombre Middle Brother. El primero de marzo de este año salió su primer álbum, homónimo, con 12 ejemplos de folk y folk-rock nada pretencioso. O sea, bien hecho.

Desde el comienzo de Daydreaming, el tema introductorio, se marca uno de los rumbos para toda la obra: el gusto por las armonías y el folk bien bien tranquilo. Con el segundo track, Blue Eyes, el humor cambia y la cosa se pone más divertida, pero nunca deja de ser completamente relajada. Con Middle Brother (el tema, no el grupo ni el álbum) ya empiezan a ser claras las referencias al pop y rock de los 60, que aparecen reforzadas en Me Me Me y sobre todo en Someday. Por otro lado también surgen ideas que parecen sacadas de un disco tardío de George Harrisson, como la reversión de Portland (de The Replacements) o influencias del Neil Young más acústico y de Tom Petty.

Todo este collage no es más que el soporte de un disco que termina siendo homogéneo. Prima el sabor de estar escuchando a tipos disfrutando y divirtiéndose con lo que están haciendo, nada más sencillo y efectivo que eso.

La sorpresa de esta mañana viene en forma de cuento infantil. El ilustrador Andrew Kolb agarró el famoso tema de David Bowie, Space Oddity, y lo transformó en un precioso y trágico cuento para niños. Del mismo modo que la versión de Dune que apareció a principios de años, aquí tenemos otra muestra del trabajo de artistas independientes resignificando íconos de la cultura pop y forzando un giro de 180º, mitad en joda y mitad en serio, en su target.

Pueden bajar el libro en pdf (cosa recomendada, ya que las imágenes están mucho más grande) aqui.

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La primera etiqueta que viene a la cabeza cuando uno empieza a conocer a Freelance Whales es la palabra “indie”. Hacen un indie rock tranquilo, relajado, tirando a pop se podría decir, con un color ingenuo. Se conocieron via Craigslist. Hay guitarras acústicas, banjo, sintetizadores, vibráfono y algonos instrumentos más raros. Y camisas a cuadros. Y anteojos con marco grueso. Si, son tan indies que dan asco. Pero salvando clichés y prejuicios innecesarios, creo que más de alguno puede disfrutar de su primer trabajo: Weathervanes

Antes que nada necesitamos una introducción. Sepan que no disfruto de hacer presentaciones wikipedianas, pero me parece que por la nula difusión que tiene la banda por estos pagos (aclaro que es una suposición mía, puede ser que los flacos suenen todo el día en rock & pop y yo ni idea) voy a hacer un esfuerzo. Breve. Pero esfuerzo al fin. Freelance Whales es un quinteto de poliinstrumentistas con base en Nueva York. Nace en 2008 integrando a Judah Dadone, Doris Cellar, Chuck Criss,  Jacob Hyman y Kevin Read, todos de la zona de Queens. Empezaron a llamar la atención tocando en las estaciones del subte y ya a fines de 2009 tenían su disco en la calle. Después pasó esto, y digamos que ese tipo de cosas también ayudan un poquito a que una banda se haga conocida.

El tema que suena en el video es “Generator ^ First Floor” y es el primero del disco debut de la banda. Escuchándolo ya tenemos una premisa de lo que podemos esperar: algo alegre, con arreglos complejos pero que se desenvuelven siempre de forma delicada y reforzando las melodías. Al fin y al cabo, por más que se mezclen sonidos de mil instrumentos diferentes, lo que prima es la simpleza. La música suena amable, ingenua si se quiere, o despreocupada, si preferimos obviar los adjetivos innecesarios. El primer punto de comparación que viene a la cabeza puede ser The Polyphonic Spree, o por lo menos es el que me vino a mí y me convenció a seguir con el material completo. Salvando las distancias, y la cantidad de integrantes (cinco contra veintipico) ambos conjuntos parten del cruce entre el juego con instrumentos no convencionales, el trabajo “orquestacional” y el tono alegrón y aniñado.

Weathervanes en sí no es un gran álbum, pero es agradable, y para complementar un buen estado de ánimo eso es suficiente. En ese sentido también me hace acordar al Dog Problems de The Format (pop-rock bien hecho, busquen) o a algunas cosas de Belle & Sebastian: no hay canciones que te vayan a cambiar la vida, pero son un buen agregado para pasar buenos ratos, o para salir de malos. Lo más destacable de Freelance Whales es lograr un producto muy trabajado con muy pocos recursos y, sobre todo, que no satura (o por lo menos que no abruma con progresismos innecesarios, porque en realidad puede pecar de saturar un poco con su dosis de buena onda). En este sentido, la música del conjunto puede perder efecto en el formato de estudio: cuando se ve a la banda tocar la sensación de lograr mucho con poco es mucho más reforzada. De todas formas, vale la pena probar el disco, o por lo menos dejarlo de fondo y probar en qué momento nos obliga a prestarle atención.

Hoy, 23 de agosto, es el día en el disco sale a la luz, y por suerte no viene solo: el primer corte de difusión, la versión del tema original del Show de los Muppets, por OK Go, sale con un increíble videoclip donde los títeres intervienen en los videos más conocidos de la banda como Here It Goes Again o el reciente All Is Not Lost.

Claramente este es un año clave en el resurgir de los comuñes. El lanzamiento del disco precede al estreno en noviembre de un nuevo film, que al ser escrito y protagonizado por Jason Segel (Freaks & Geeks, Forgetting Sarah Marshall, I Love You Man, How I Met Your Mother) parece bastante prometedor.

Ando con ganas de hacer una revisión más extensa de este año muppensacional, pero me van a tener que tener un poco de paciencia. Por ahora los dejo con el video, no se lo pierdan.

Pueden escuchar el resto del disco online, de forma gratuita y legal en NPR.org